Во Франции его популярность определила доступность и легкость воспроизведения народных мелодий. Разнообразие народных музыкальных инструментов Франции В дополнение к колёсной лире и волынке, во Франции существует множество других народных музыкальных инструментов. струнный смычковый музыкальный инструмент. Популяризированный во Франции, старинный инструмент задолго до прихода в музыкальную культуру использовался индейскими и сибирскими шаманами. Со временем этот музыкальный инструмент стал значимой частью народной музыки не только Франции, но и народов Испании, Италии, Великобритании.
Музыка во Франции
| Какой национальный музыкальный инструмент Франции. Национальные музыкальные инструменты Франции | В дополнение к аккордеону, также популярным музыкальным инструментом во Франции является скрипка, которая часто используется в народной и классической музыке. |
| Народные инструменты франции | Народные инструменты франции фото с названиями. |
| Музыка Франции: французский аккордеон | Аккордеоны, волынки, флейты, колесные скрипки (херди-герди) и прочие народные инструменты, выполненные вручную, будут играть на 30 концертах, в танцевальных программах для взрослых и на уроках народных танцев для детей. |
Международная встреча мастеров народных инструментов, 10-14 июля, Ла-Шатр
Кандидат физико-математических наук. Выпускник Саратовской государственной консерватории им. Собинова класс д-р искусствоведения, проф. Полозова и Саратовского государственного университета им.
Он используется в широком спектре музыкальных стилей, включая традиционную шотландскую народную музыку. Советы и выводы Изучайте народные музыкальные инструменты Франции, чтобы лучше понимать культуру этой страны. Играйте на традиционных инструментах, чтобы ощутить дух французской музыки. Экспериментируйте с различными стилями и направлениями, чтобы расширить свои музыкальные знания и навыки.
Сюда органично вплелись музыкальные традиции, как многочисленных народов страны, так и других европейских государств. Наиболее тесное взаимодействие и взаимопроникновение наблюдалось между музыкальными культурами Франции, Италии, Германии, Испании. Фламандская культура так же оказала большое влияние. Следует помнить, что, как утверждают сами французы, Франция — это страна, открытая миру. Правда, на протяжении веков они понимали этот лозунг весьма своеобразно, например, ведя активную колонизаторскую политику. Тем не менее, в плане развития собственной музыкальной культуры этот процесс оказал ощутимое положительное влияние. Французская музыкальная культура значительным образом обогатилась, впитав в себя все самое лучшее из музыкальных культур народов Африки и Азии. Эта тенденция ярко проявилась во второй половине 20 века, когда музыкальная сцена Франции обогатилась музыкальными традициями выходцев из Африки. Говоря о музыкальной культуре Франции, нельзя не упомянуть существенный вклад в ее развитие, сделанный русской музыкальной культурой. Две великие державы связаны тесными узами долгой истории практически во всех сферах человеческой деятельности. Долгое время, русская культура подпитывалась за счет французской, которая воспринималась в нашем обществе в качестве эталона и объекта для подражания. Но потом пришло время «отдавать долги», и уже культурные деятели Франции равнялись на своих российских коллег, перенимали от них все самое лучшее, передовое и интересное. После революции 1917 года и гражданской войны в России многие эмигранты нашли приют именно во Франции. Их вклад во французскую культуру, в том числе и в музыкальную культуру, огромен. Его сложно переоценить, а тем более не заметить. Таким образом, говоря о французской музыкальной культуре, мы говорим о совершенно уникальном явлении мирового масштаба. Эта культура впитала в себя все самое лучшее практически у всех народов, изменила, трансформировала, переосмыслила, придала новый импульс и звучание, и, в конечном итоге, сформировалась в нечто прекрасное, неповторимое, своеобразное, манящее и завораживающее. Это живой организм, продолжающий расти, изменяться, преображаться. Французская музыкальная культура не остается в стороне от мировой музыкальной культуры. Она придает новый, особый французский колорит таким современным направлениям в музыке, как джазу, року, хип-хопу и электронной музыке. Этапы формирования французской музыкальной культуры. Французская музыкальная культура начала формироваться на богатом слое народной песни. Древнейшие достоверные записи песен, сохранившиеся до наших дней, датируются 15 веком. С христианством на французские земли пришла церковная музыка. Первоначально латинская, она постепенно изменялась под влиянием народной музыки. Церковь для укрепления своих позиций и влияния на французский народ, использовала в богослужениях материал, понятный, близкий и доступный местным жителям. Вот что об этом говориться в электронной энциклопедии Википедии: «Именно таким образом между 5 и 9 веками в Галлии сложился особый, своеобразный тип литургии — галликанский обряд с галликанским пением. О нем известно из исторических источников, свидетельствующих, что он значительно отличался от римского. К сожалению, он не сохранился, поскольку французские короли отменили его, стремясь получить от Рима титул императоров, а римская церковь пыталась добиться унификации церковной службы. Влияние ее на формирование музыкальной культуры было огромно, а отголоски слышны в музыке до сих пор, их только надо суметь услышать. В период Средневековья лучше всего было документировано развитие церковной музыки. На замену ранним галликанским формам христианской литургии пришла григорианская литургия. Распространение григорианского пения в период царствования династии Каролингов связано прежде всего с деятельностью бенедиктинских монастырей. Католические аббатства Жюмьеж стали центрами церковной музыки, ячейками профессиональной духовной и светской музыкальной культуры. Для обучения учащихся пению при многих аббатствах были созданы специальные певческие школы метризы. Там преподавали не только григорианское пение, но и игру на музыкальных инструментах, умение читать музыку. В середине 9 в. В 9 веке григорианский хорал обогатился секвенциями, которые во Франции называют также прозами. Создание этой формы приписывалось монаху Ноткеру из Санкт-Галленского монастыря современная Швейцария. Впрочем, Ноткер указывал в предисловии к своей «Книге гимнов», что сведения о секвенции он получил от монаха с Жюмьежзского аббатства. Впоследствии во Франции особенно прославились авторы проз Адам из аббатства Сен-Виктор 12 в. Таким образом, легко заметить, что у фольклорной музыкальной культуры тематическая и жанровая палитра в разы богаче, чем у церковной. Среди лирических жанров особое место занимают пасторали. Эта тема нашла отражение не только во французской музыкальной культуре, но и в литературе, живописи, театре. Популярная даже при королевском дворе пастораль воспевала и идеализировала сельскую жизнь, рисуя сказочную картинку, безумно далекую от реальной. Во французской народной музыке мне особенно нравится один раздел, который, так или иначе, присутствует в фольклоре любого народа. Он кажется мне наиболее милым, приятным, жизнерадостным. В нем ощущается тепло, трепет, материнская забота, наивность, стремление верить в чудеса и радоваться каждому прожитому дню. Я говорю о французских народных песнях посвященных детям — колыбельные, игровые, считалки фр. Разнообразны трудовые песни жнецов, пахарей, виноградарей и др. Другой жанр французской народной музыки был очень созвучен с музыкальными традициями стран Европы, участвовавших в крестовых походах. Во всех странах-участницах создавались песни и баллады, повествовавшие об этих исторических событиях, подвигах, битвах, поражениях, рыцарях, героях, врагах и предателях. Разумеется, Французы не смогли остаться в стороне не от походов, не от творчества. К сожалению, большинство этих произведений не дошли до наших дней, в отличие от шедевров церковной музыки, которые чаще всего были записаны, то есть задокументированы. Однако ни церковная, ни народная музыка не могла удовлетворить духовные потребности третьей части общества, самой богатой и влиятельной — знати. Именно под ее влиянием начала постепенно зарождаться и формироваться светская музыка. Она звучала не под сводами церкви, не на ярмарках и городских площадях, а в королевском дворце, в замках знатных вельмож и феодалов. Носителями народных музыкальных традиций средневековья были главным образом бродячие музыканты — жонглёры, которые пользовались большой популярностью в народе. Они пели нравоучительные, шуточные, сатирические песни, танцевали под аккомпанемент различных инструментов, в том числе тамбурина, барабана, флейты, щипкового инструмента типа лютни это способствовало развитию инструментальной музыки. Жонглеры выступали на праздниках в деревнях, при феодальных дворах и даже в монастырях участвовали в некоторых обрядах, театрализованных шествиях, приуроченных к церковным праздникам, получивших название Carole. Их преследовала церковь как представителей враждебной ей светской культуры. В 12-13 вв. Часть их оседала в рыцарских замках, попадая в полную зависимость от рыцаря-феодала, другие останавливались в городах. Таким образом, жонглеры, утратив свободу творчества, стали оседлыми менестрелями в рыцарских замках и городскими музыкантами. Однако этот процесс в то же время способствовал проникновению в замки и города народного творчества, который становится основой рыцарского и бюргерского музыкально-поэтического искусства. В эпоху позднего средневековья в связи с общим подъемом французской культуры начинает интенсивно развиваться и музыкальное искусство. В феодальных замках на основе народной музыки расцветает светское музыкально-поэтическое искусство трубадуров и труверов 11-14 вв. Во 2-й пол. Среди труверов наряду с королями, аристократией — Ричардом Львиное Сердце, Тибо Шампанским королём Наварры , впоследствии получили известность представители демократических слоев общества — Жан Бодель, Жак Бретель, Пьер Мони и другие. Они внесли свои особенности в искусство трубадуров и труверов, отойдя от его возвышенно-рыцарских музыкально-поэтических образов, освоив народно-бытовую тематику, создав характерный стиль, свои жанры. Виднейшим мастером городской музыкальной культуры 13 века был поэт и композитор Адам де ла Аль, автор песен, мотетов, а также популярной в своё время пьесы «Игра о Робене и Марион» ок. Он по-новому трактовал традиционные единогласные музыкально-поэтические жанры трубадуров, использовав многоголосие. Отразилось это не только в политической и экономической, но и в культурной сфере. Создание в них университетов, школ способствовало развитию культуры, музыки и повышению роли музыки как искусства. Так, в созданном в начале 13 века Парижском университет Сорбонне, музыка была одним из обязательных и важных предметов. Это, безусловно, способствовало повышению роли музыки как искусства. В 12 веке одним из центров музыкальной культуры стал Париж, и прежде всего его Поющая школа собора Нотр-Дам, объединившая крупнейших мастеров — певцов-композиторов, ученых. С этой школой связан расцвет в 12-13 вв. В произведениях композиторов Нотр-дамской школы григорианский хорал перетерпел изменения: ранее ритмически свободный, гибкий хорал приобрел большую размеренность и плавность отсюда название такого хорала cantusplanus. Осложнения многоголосной ткани и её ритмической структуры потребовало точного обозначения длительностей и совершенствование нотации — в результате представители парижской школы на смену учению о модусах постепенно пришли к мензуральной нотации. Значительный вклад в этом направлении сделал музыковед Иоанн де Гарландия. Многоголосие вызвало к жизни новые жанры церковной и светской музыки, в том числе кондукт и мотет. Кондуктизначально выполнялся преимущественно во время праздничной церковной службы, однако позже стал чисто светским жанром. В числе авторов кондукта — Перотин. На основе кондукта в конце 12 в.
И не только потому, что Дедников теперь — один из лучших и востребованных в Калмыкии мастеров. А сейчас — настоящий бум, такой всплеск интереса… Заказывают и музыкальные школы, и обычные люди — для детей и просто для себя. Кто-то совсем старые инструменты приносит — что-то поправить, лады набить", — говорит он. Устройство у домбры нехитрое — корпус, длинный гриф и две струны. Но тут же добавляет: "Вопрос в том, каким получится инструмент, кто и что в него вкладывает… Вот есть хороший гитарный мастер в Кисловодске, у нас многие у него заказывают домбру — очень красивые они получаются. Но звук немного другой — больше гитарный, чем домбровый". В старину калмыки-кочевники играли на гораздо более простых домбрах — ладов было всего семь, струны делали из кишок животных, а дерево для домбры брали любое, какое нашлось. Возможно, именно из-за этой простоты и доступности домбра стала истинно "народным" инструментом, говорит преподаватель отделения народных инструментов республиканского Колледжа искусств Любовь Дохаева. Гриф тоже каждый делал под свою руку — поэтому и длина была разная, и количество ладов — были пятиладовые, семиладовые домбры… И всегда этот инструмент был самым массовым, самым узнаваемым", — рассказывает Дохаева. Она берет в руки небольшую простенькую домбру. На грифе надпись "Цаганур". Этому инструменту примерно 100 лет, на таких играли наши бабушки", — поясняет она. Любовь Дохаева много лет руководит ансамблем калмыцких народных инструментов "Баир", в котором играют в том числе учащиеся колледжа. Созданный еще в 1980-х, сейчас "Баир" известен далеко за пределами Калмыкии — например, минувшим летом ансамбль выступал в Польше, потом — в Южной Корее.
Мандора инструмент музыкальный
В средневековой Франции инструмент назывался «chalemie», что описывало его форму и рукоятки. Народные инструменты франции. Чагане струнные смычковые музыкальные инструменты. В дополнение к аккордеону, также популярным музыкальным инструментом во Франции является скрипка, которая часто используется в народной и классической музыке. Во Франции в 17 веке были те же инструменты, что и в других европейских странах: клавесин, клавикорд, скрипка, лютня, флейта, гобой, орган и много других. в конце была спета народная песня "не одна я в поле кувыркалась, не одной мне ветер в жопу дул". поосле этого была спета українська народна пісня "ой да залупилася на хую шкуринка". РИА Новости, 1920, 19.06.2023.
Какой национальный музыкальный инструмент Франции
Музыкальные инструменты Франции(1). во Франции существует и несколько своих вариантов волынки: кабретта (с одним бурбоном), бодега, центральнофранцузскя волынка(2 или 3 бурбона). Оркестр русских народных инструментов им. В.А. Салина (ОРНИ) под управлением заслуженного работника культуры РФ, лауреата премии в сфере культуры и искусства города Перми им. Николая Серебреникова.
Какой национальный музыкальный инструмент Франции
Инструментальные жанры проникали как в бытовую музыку, так и в профессиональную, отчасти церковную. Лютневые танцевальные пьесы выделялись среди господствующих в 16 в. Характерным было объединение двух или нескольких танцев по принципу ритмического контраста в своеобразные циклы, которые стали основой будущей танцевальной сюиты. Более самостоятельное значение приобрела и органная музыка. Возникновение органной школы во Франции кон. В 1570 году Жан-Антуаном де Баифом была основана Академия поэзии и музыки. Участники этой академии стремились возродить античную поэтико-музыкальное метрику, защищали принцип неразрывной связи музыки и поэзии. Значительный пласт в музыкальной культуре Франции 16 в.
Гугенотские песни использовали мелодии популярных бытовых и народных песен, приспосабливая их к переведенным французским богослужебным текстам. Чуть позже религиозная борьба во Франции породила гугенотские псалмы с характерным для них переносом мелодии в верхний голос и отказом от полифонических сложностей. Крупнейшими композиторами-гугенотами, составлявшими псалмы, были Клод Гудимель, Клод Лежён. Просвещение Подробнее: Эпоха Просвещения XVII век Сильное влияние на французскую музыку 17 века оказала рационалистическая эстетика классицизма, которая выдвигала требования вкуса, равновесия красоты и истины, ясности замысла, стройности композиции. Классицизм, развивавшийся одновременно со стилем барокко, получил во Франции 17 в. В это время светская музыка во Франции преобладает над духовной. С утверждением абсолютной монархии большое значение приобретает придворное искусство, определившее направление развития важнейших жанров французской музыки того времени - оперы и балета.
Годы правления Людовика XIV отмечены необыкновенной пышностью придворной жизни, стремлением знати к роскоши и утонченным увеселениям. В этой связи большая роль отводилась придворному балету. Знакомство с итальянской оперой послужило стимулом к созданию своей национальной оперы, первый опыт в этой области принадлежит Элизабет Жаке де ла Герр «Триумф любви», 1654. В 1671 году в Париже открылся оперный театр под названием «Королевская академия музыки». Руководителем этого театра стал Ж. Люлли, который теперь считается основоположником национальной оперной школы. Люлли создал ряд комедий-балетов, ставших предтечей жанра лирической трагедии, а позже - оперы-балета.
Существенным является вклад Люлли в инструментальную музыку. Им был создан тип французской оперной увертюры термин утвердился во 2-й половине 17 в. Многочисленные танцы из его произведений крупной формы менуэт, гавот, сарабанда и др. В конце 17 - 1-й половине 18 века для театра писали такие композиторы как Н. Шарпантье, А. Кампра, М. Делаланд, А.
У преемников Люлли условность придворного театрального стиля усиливается. В их лирических трагедиях на первый план выступают декоративно-балетные, пасторально-идиллические стороны, а драматическое начало все более ослабляется. Лирическая трагедия уступает место опере-балету. Готье, который повлиял на клавесинный стиль Ж. Англебера, Ж. Куперен , виольная М. Марен, который впервые во Франции ввел в оперный оркестр контрабас вместо контрабасовой виолы.
Наибольшее значение приобрела французская школа клавесинистов. Ранний клавесинный стиль сложился под непосредственным влиянием лютневого искусства. В произведениях Шамбоньера сказалась характерная для французских клавесинистов манера орнаментации мелодии. Обилие украшений придавало произведениям для клавесина определенную изысканность, а также большую связность, «певучесть», «протяженность» отрывистое звучание этого инструмента. В инструментальной музыке широко использовалось применяемое ещё с 16 в. XVIII век В 18 веке с ростом влияния буржуазии складываются новые формы музыкально-общественной жизни. Постепенно концерты выходят за рамки дворцовых залов и аристократических салонов.
В 1725 А. Филидор Даникан организовал в Париже регулярные публичные «Духовные концерты», в 1770 Франсуа Госсек основал общество «Любительские концерты». Более замкнутый характер носили вечера академического общества «Друзья Аполлона» основано в 1741 , ежегодные циклы концертов устраивала «Королевская Академия музыки». В 20-30-е годы 18 в. Среди французских клавесинистов ведущая роль принадлежит Ф. Куперену, автору свободных циклов, основанных на принципах сходства и контраста пьес. Наряду с Купереном большой вклад в развитие программно-характеристической клавесиновой сюиты внесли также Ж.
Дандре и особенно Ж. В 1733 году успешная премьера оперы Рамо «Ипполит и Арисия» обеспечила этому композитору ведущее положение в придворной опере - «Королевской академии музыки». В творчестве Рамо жанр лирической трагедии достиг кульминации. Его вокально-декламационный стиль обогатился мелодико-гармонической экспрессией. Большим разнообразием отличаются его двухчастные увертюры, но в тоже время представлены в его творчестве и трехчастные увертюры, близкие итальянской оперной «синфонии». В ряде опер Рамо предвосхитил многие поздние завоевания в области музыкальной драмы, подготовив почву для оперной реформы К. Рамо принадлежит научная система, ряд положений которой послужили основой современного учения о гармонии «Трактат о гармонии», 1722; «Происхождение гармонии», 1750, и др.
К середине 18 века героико-мифологические оперы Люлли, Рамо и других авторов перестали соответствовать эстетическим запросам буржуазной аудитории. Своей популярностью они уступают остросатирическим ярмарочным спектаклям, известным ещё с конца 17 века. Эти представления направлены на высмеивание нравов «высших» слоев общества, а также пародируют придворную оперу. Первыми авторами подобных комических опер были драматурги А. Лесаж и Ш. В недрах ярмарочного театра созрел новый французский оперный жанр - опера комик. Укреплению ее позиций способствовали приезд в Париж в 1752 году итальянской оперной труппы, поставившей ряд оперу-буфф, в том числе «Служанка-госпожа» Перголези, и полемика по вопросам оперного искусства, разгоревшаяся между сторонниками буржуазно-демократические круги и противниками представители аристократии итальянской оперы-буфф, - т.
В напряженной атмосфере Парижа эта полемика приобрела особую остроту, получила огромный общественный резонанс. Активное участие приняли в ней деятели французского Просвещения, поддержавшие демократическое искусство «буффонистов», а пастораль Руссо «Деревенский колдун» 1752 легла в основу первой французской комической оперы. Провозглашенный ими лозунг «подражания природе» оказал большое влияние на формирование французского оперного стиля 18 века. Труды энциклопедистов содержат также ценные эстетические и музыкально-теоретические обобщения. Послереволюционное время Одна из первых публикаций «Марсельезы», национального гимна Франции, 1792 Великая французская революция внесла огромные изменения во все области музыкального искусства. Музыка становится неотъемлемой частью всех событий революционного времени, приобретая социальные функции, что способствовало утверждению массовых жанров - песни, гимна, марша и других. Влияние французской революции претерпел и театр - возникли такие жанры как апофеоз, агитационный спектакль с использованием больших хоровых масс.
В годы революции особое развитие получила «опера спасения», поднимающая темы борьбы с тиранией, разоблачения духовенства, прославляющая верность, преданность. Большое значение приобрела военно-духовая музыка, был основан оркестр Национальной гвардии. Радикальные преобразования претерпела и система музыкального образования. Были отменены метризы; зато в 1792 открылась музыкальная школа Национальной гвардии для обучения военных музыкантов, а в 1793 - Национальный музыкальный институт с 1795 - Парижская консерватория. Период наполеоновской диктатуры 1799-1814 и Реставрации 1814-15, 1815-30 не принесли французской музыке ярких достижений. К концу периода Реставрации наблюдается оживление и в области культуры. В борьбе с академическим искусством наполеоновской империи складывалась французская романтическая опера, что в 20-30-х годах заняла господствующее положение Ф.
В эти же годы складывается жанр большой оперы на историко-патриотические и героические сюжеты. Французский музыкальный романтизм нашел наиболее яркое выражение в творчестве Г. Берлиоза, создателя программного романтического симфонизма. Берлиоз, наряду с Вагнером считается также основоположником новой школы дирижирования. В годы Второй империи 1852-70 для музыкальной культуры Франции характерно увлечение кафе-концертами, театральными ревю, искусством шансонье. В эти годы возникли многочисленные театры легких жанров, где ставились водевили, фарсы. Развивается французская оперетта, среди ее создателей - Ж.
Оффенбах, Ф. С 1870-х годов, в условиях Третьей республики оперетта потеряла сатиричность, пародийность, злободневность, преобладающими стали историко-бытовые и лирико-романтические сюжеты, в музыке на первый план выдвинулся лирический. В опере и балете второй половины XIX в. В опере эта тенденция проявилась в стремлении к повседневным сюжетам, к изображению простых людей с их интимными переживаниями. Самым известным создателем лирической оперы считается Ш. Гуно, автор таких опер как «Фауст» 1859, 2-я ред. К жанру лирической оперы обращались также Ж.
Массне, Ж. Бизе, в его опере «Кармен» ярче проявляется реалистическое начало. Морис Равель, 1912 В конце 80-х - 90-х годов 19 века во Франции возникло новое течение, получившее распространение в начале 20 в. Музыкальный импрессионизм возродил определенные национальные традиции - стремление к конкретности, программности, изысканности стиля, прозрачности фактуры. Импрессионизм нашел наиболее полное выражение в музыке К. Дебюсси, сказался на творчестве М. Равеля, П.
Дюка и других. Импрессионизм внес новшества и в область музыкальных жанров. В творчестве Дебюсси симфонические циклы уступают место симфоническим зарисовкам; в фортепианной музыке преобладают программные миниатюры. Морис Равель также испытал влияние эстетики импрессионизма. В его творчестве переплелись различные эстетико-стилистические тенденции - романтические, импрессионистические, а в поздних произведениях - тенденции неоклассцизма. Наряду с импрессионистическими тенденциями во французской музыке на рубеже 19-20 вв. Композиторы «французской шестерки».
После Первой мировой войны во французском искусстве проявляются тенденции к отрицанию немецкого влияния, стремлению к новизне и, в то же время - к простоте. В это время под влиянием композитора Эрика Сати и критика Жана Кокто сложилось творческое объединение, получившее название «Французская шестерка», участники которой противопоставляли себя не только вагнерианству, но и импрессионистской «расплывчатости». Впрочем, по словам ее автора - Франсиса Пуленка группа «не имела никаких других целей, кроме чисто дружеского, а вовсе не идейного объединения», и уже с 1920-х годов ее участники среди наиболее известных также Артур Онеггер и Дариус Мийо развивались каждый индивидуальным путем. В 1935 году во Франции возникло новое творческое объединение композиторов - «Молодая Франция», в которое входили в том числе такие композиторы как О. Мессиан, А. Жоливе, которые подобно «Шестерке» ставили во главу угла возрождение национальных традиций и гуманистические идеи. Отрицая академизм и неоклассицизм, они направили свои усилия на обновление средств музыкальной выразительности.
Наиболее влиятельными стали поиски Мессиана в области ладовых и ритмических структур, которые нашли свое воплощение как в его музыкальных произведениях, так и в музыковедческих трактатах. После Второй мировой войны во французской музыке получили распространение авангардные музыкальные течения. Выдающимся представителем французского музыкального авангарда стал композитор и дирижер Пьер Булез, который, развивая принципы А. Веберна, широко применяет такие методы композиции, как пуантилизм и сериальность. Особую «стохастическую» систему композиции применяет композитор греческого происхождения Я. Значительную роль Франция сыграла в становлении электронной музыки - именно здесь в конце 1940-х годов появилась конкретная музыка, под руководством Ксенакиса был разработан компьютер с графическим вводом информации - UPI, а в 1970-х во Франции зародилось направление спектральной музыки. Истоки Ф.
Древние лит. Достоверные данные о собственно нар. В работах франц. К фольклорным принадлежат также песни, связанные с галльскими и кельтскими верованиями, - "песни о деяниях" chansons de geste. Среди лирических особое место занимают пасторали идеализация сельской жизни. В любовных преобладают темы неразделённой любви, расставания. Немало песен посвящено детям - колыбельные, игровые.
Особую группу составляют баллады о крестовых походах, песни, изобличающие жестокость феодалов, королей и придворных, песни о крестьянских восстаниях эту группу песен исследователи называют "поэтическим эпосом истории Франции". Для франц. Преобладающие лады - натуральные мажор и минор. Зачастую в припевах повторяются слога, не имеющие смыслового значения: тин-тон-тэна, ра-та-план, рон-рон и т. Среди древнейших нар танцев - разнообразные хороводы, групповые и парные пляски, в т. Одним из существ. Начиная с 4 в.
Церковь была вынуждена использовать в богослужении нар. В католич. Центры галликанской культовой музыки сосредоточились в Лугдуне, Нарбоне, Массилии. В течение неск. В этой борьбе Рим поддерживали франкские короли. В 8-9 вв. При многих аббатствах существовали певч.
Здесь вырабатывались принципы нотации с появлением в сер. Невмы , складывалось композиторское творчество. Создание этой формы приписывалось монаху Санкт-Галленского монастыря в Швейцарии Ноткеру, к-рый, однако, указывал в предисловии к своей "Книге гимнов", что сведения о секвенциях он получил от монаха из аббатства Жюмьеж. Корбейль нач. Наряду с секвенциями широкое распространение получили тропы. Первоначально эти вставки в середину григорианского хорала не отличались от него по характеру музыки, дополняя осн. В дальнейшем путём тропирования в церк.
В тот же период начиная с 10 в. Постепенно литургич. Наконец, в одногол. К первым образцам письменно зафиксированного многоголосия - органума, относящимся к 9 в. В своих трактатах кон. В проф. Такие явления, как театрализация церк.
Наряду с культовой развивалась светская музыка, к-рая звучала в нар. Носителями нар. Они пели нравоучительные, шуточные, сатирич. Жонглёры выступали на праздниках в деревнях, при феодальных дворах и даже в монастырях участвовали в нек-рых обрядах, театрализованных шествиях, приуроченных к церк. Они преследовались католич. Часть их оседала в рыцарских замках, попадая в полную зависимость от рыцаря-феодала, другие обосновывались в городах. Однако этот процесс в то же время способствовал проникновению в замки и города нар.
В эпоху позднего средневековья в связи с общим подъёмом франц. В феодальных замках на основе нар. К кон. Среди труверов наряду с королями, высшей аристократией - Ричардом Львиное сердце, Тибо Шампанским королём Наварры , впоследствии получили известность представители демократич. В своих соч. В их творчестве преобладала рыцарская тематика, разрабатывались такие жанры, как пастурели, альбы рассветные песни , сирвенты, эпич. Их иск-во способствовало развитию ряда муз.
В связи с ростом городов Аррас, Лимож, Монпелье, Тулуза и др. Они внесли свои особенности в иск-во трубадуров и труверов, отойдя от его возвышенно-рыцарских муз. Крупнейшим мастером гор. Он по-новому трактовал традиционные одногол. Укрепление экономич. Парижского ун-та , где музыке уделялось большое внимание была одним из обязат. Парижская школа , к-рая объединила крупнейших мастеров - певцов-композиторов, учёных.
Ars antiqua , появление новых муз. Сохранившиеся фрагменты записей многоголосия 11-12 вв. Диафония, Дискант. Выдающиеся деятели школы собора Нотр-Дам - дискантисты Леонин 12 в. И Перотин кон. У Леонина - это 2-гол. Перотин развил достижения своего предшественника: он писал не только 2-, но и 3-, 4-гол.
Новый стиль, выработанный представителями школы собора Нотр-Дам, отрицал принципы григорианского пения. В произв. Усложнение многогол. Многоголосие вызвало к жизни новые жанры церковной и светской музыки, в т. На рубеже 12-13 вв. Он исполнялся преим. Это - переходный жанр: вначале кондукты включались в литургию, позже стали чисто светскими, приобретя даже бытовой оттенок их пели на пирах, праздниках, встречались кондукты с остросатирич.
В числе авторов кондуктов - Перотин. На основе кондукта в кон. Мотет допускал свободу сочетания ли-тургич. Из соединения церк. Связь многоголосия с бытовыми формами дала большие художеств. Широко применялся мотет в творчестве представителей ars nova, прогрессивного направления, возникшего во Ф. В этом раннем светском проф.
К ней обращались все крупные композиторы, в то же время она оказала большое влияние на мотет. В нач. Идеологом ars nova был поэт-гуманист, композитор, теоретик музыки и математик Филипп де Витри ему приписывается трактат "Ars nova", давший название направлению , обосновавший принципы "нового иск-ва". Нововведения Филиппа де Витри в области теории были связаны, в частности, с учением о консонансах и диссонансах объявил консонансами терции и сексты. Новые композиционные закономерности внёс он и в свои муз. Этот вид мотета нашёл воплощение в творчестве крупнейшего композитора и поэта ars nova Гильома де Машо. В его произв.
Ему принадлежат песни нар. В мотетах Машо применял более последовательно, чем его предшественники муз. Он - автор первой франц. В целом франц. Ведущее положение в муз. Нидерландская школа, сложившаяся как творч. На протяжении двух веков во Франции работали крупнейшие композиторы нидерл.
Дюфаи, во 2-й пол. Беншуа и Дюфаи проявили себя в области т. Дюфаи, один из основателей нидерл. Большой интерес представляют его мессы, в к-рых в качестве cantus firmus использована нар. Искуснейший контрапунктист Окегем был не только музыкантом в течение неск. Мастерски владея техникой имитации и канонич. Утончённый и виртуозный стиль, яркая эмоциональность и красочность музыки при рельефности мелодики широко используются нар.
Обрехта - мессы в т. Жоскен Депре нек-рое время был придв. Будучи выдающимся полифонистом, он в то же время способствовал "гармонич. Жоскен Депре достиг такой технической свободы, когда мастерство уже становится незаметным и полностью подчинено раскрытию художеств. В своих произв. Его песни на франц. Этот жанр широко представлен и в творчестве величайшего нидерл.
Лассо - мастера полифонии строгого стиля. Его многогол. Его стиль явился шагом вперёд по пути к гармонич. Это относится прежде всего к светским произв. В духовных соч. Лассо оказал плодотворное воздействие на Ф. В целом нидерл.
В кон. Нек-рые учёные усматривали ренессансные черты в иск-ве ars nova, считая 14 в. Однако появившиеся в 1950-х гг. Возрождение было подготовлено рядом историч. На развитии франц. Важнейшим проявлением культуры Возрождения явился гуманизм. На первый план выдвигается человек с его внутр.
Укрепилась роль придв. В 1581 Генрих III утвердил должность "гл. Первый "интендант" - итал. Сальмоном "Комедийный балет королевы" - первый опыт соединения музыки и танца со сценич. Важными очагами муз. Расцвет Возрождения, связанный с формированием франц. Ярким проявлением Возрождения явилась светская многогол.
Маро, П. Обычно шансон - это песня со светским текстом и нар. Её сюжет, выразит. Выдающимся композитором франц. Возрождения был К.
Ребель-отец, Ж. Анэ отец Жан-Батиста Анэ и др. Руководили оркестром, кроме Люлли и его ученики Ж. Лалуэт и Коласс, а также знаменитый виолист М. Люлли много внимания уделял воспитанию оркестра, особенно скрипачей, от которых требовал беглости и «нервной четкости удара». Оркестр был блестяще сыгран, прекрасно читал с листа — искусство редкое в то время, когда многие ансамбли играли по слуху. Люлли не допускал при исполнении «отсебятины». Им оставлены замечательные дирижерские традиции: «выразительный и отчетливый» ритм, подвижные темпы, хорошая атака звука знаменитый «первый удар смычка» в начале пьесы — эти черты были характерны для него и как скрипача. По отзыву его ученика Г. Муффата, оркестр Люлли характеризовался «точностью интонации, легкостью и ровностью игры, отчетливым и энергичным ударом всего оркестрового состава, берущего первый аккорд, неудержимым порывом и очень подчеркнутыми переменами темпов, гармоническим сочетанием силы и гибкости, грации и живости». В партитурах своих опер он тщательно проставлял динамические оттенки и способы исполнения: «играть нежно, чуть касаясь струн», «не снимать сурдин раньше, чем это обозначено» и т. Люлли сам обучал и инструменталистов, и певцов, добившись замечательных успехов в своей педагогической деятельности. Среди его учеников — скрипачи Ж. Лалуэт, Ж. Ребель, П. Жубер, Ж. Анэ отец , Паскаль, М. Лаланд, Вердье и др. Люлли по праву считался лучшим скрипачом Франции. По отзыву Л. Вьевиля, «Люлли играл божественно. Со времен Орфея, Амфиона и других никто не извлекал из скрипки звуков, подобных тем, какие извлекал из нее Люлли». Скрипичные произведения Люлли входят в его оперы, балеты, дивертисменты. Он дал блестящие образцы и скрипичного романса, и каприса, и танца с вариациями. Люлли широко использовал также декламационные интонации французских трагических актеров, в особенности ученицы Расина — Шанмеле, отличавшейся напевной манерой декламации, широкими интонационными линиями голоса Расин обозначал ей эту декламацию нотами с интервалами вплоть до октавы , тембровым богатством. Эту выразительность трагической декламации Люлли перенес и в свои скрипичные арии, напоминающие порой оперный речитатив примером может служить скрипичная ария из оперы «Армида», конец II действия. Многие его арии носят элегическо-пасторальный характер, необычайно напевны, изящны. Наибольшей популярностью из них пользовалась ария из оперы «Кадм», отличающаяся плавностью мелодической линии, благородством выражения. Встречаются у Люлли и ярко индивидуализированные миниатюры. Например, танцевальная скрипичная мелодия из IV акта оперы «Альцеста», которая, по словам Люлли, «должна дышать затаенной радостью». Люлли сохранил и укрепил давнюю связь французского скрипичного искусства с танцем. Ритмическая острота и четкость, развитая техника коротких динамичных штрихов — черты, идущие от народного инструментального искусства,— проявляются в его скрипичной балетной музыке, особенно в таком жанре, как танец с вариациями. В качестве примера можно указать скрипичную «Чакону» в балете «Кадм». Скрипичные арии в операх Люлли всегда заставлял повторять, придавая большое значение их выразительности в построении целого. Известную роль в подготовке французского инструментального концерта сыграли и увертюры Люлли к операм, и большие вставные номера — «симфонии». Люлли создает тип французской увертюры, отличной от итальянских увертюр того времени С. Ланди, А. Скарлатти , построенных по типу: быстро — медленно — быстро. В монументальных увертюрах Люлли проявляется героическое начало. Медленная величественная первая часть построена у него на ярких, запоминающихся мелодиях, не связанных с оперой. Вторая часть — фугированная, свободно текущая, легкая и прозрачная. Финал возврацает к начальным образам увертюры, но в сжатом и динамизированном виде зачаток репризного принципа. Завершает увертюру мощная кода. Ведущую роль в увертюрах играли скрипки. Главные мелодии, поручавшиеся им, были настолько напевны, что ко многим из них были написаны слова, например к скрипичной арии увертюры «Беллерофонт». Увертюры Люлли оказали влияние на Генделя. Их часто исполняли в Италии как увертюры к другим операм. Несколько иные функции выполняли вставные «симфонии». Это была своего рода программная музыка — пейзажно-поэтические картины, психологические зарисовки состояния героев. Не обращаясь к звукоподражанию, Люлли стремился пробудить у слушателей с помощью ярких выразительных средств ассоциации, близкие к переживанию данного состояния. Популярность Люлли была огромна. Его мелодии распространились во всех слоях общества, а арии распевали на улицах бродячие музыканты. Люлли, по отзывам современников, нередко останавливал карету, подзывал к себе певца и скрипача, чтобы показать им правильный темп мелодии, которую они исполняли. Многие произведения Люлли превратились в народные куплеты, но надо учесть и то, что и его творчество было тесно связано с народным искусством. Органически слив наиболее ценные элементы, он создал новый музыкальный язык, способный к большим художественным обобщениям, доступный различным слоям общества. В этом его большая заслуга как скрипача и композитора своей эпохи. Развитие скрипичного искусства во Франции шло параллельно с культивированием в дворянских кругах и в публичных выступлениях виртуозной игры на басовой виоле. Мягкий приглушенный звук виолы отвечал эстетическим вкусам знати. Однако острое соперничество со скрипкой и виолончелью заставляло совершенствовать и виолу, и технику игры на этом инструменте. О «первом виолисте Парижа» Отмане ум. В то же время такая борьба положительно влияла и на формирование французского скрипичного исполнительства. Многие скрипачи создали для них свои произведения. Подобно клавесинному и виольному искусству, сочинения скрипачей XVII века представляли собой преимущественно танцевальные миниатюры, отточенные по форме, изящные, богатые по ритмической выдумке. В различных медленных танцах или варьированных песнях можно проследить и раннее проявление жанровой изобразительности, наивной программности или попытки достичь психологической выразительности. Крупной инструментальной формы еще не было. В самом конце XVII, начале XVIII века эти жанры, наряду с ариями с вариациями и сольными пьесами — чувствительным романсом и ранними образцами инструментального дуэта скрипка и виолончель или басовая виола, две скрипки ,— привели к формированию под определяющим влиянием итальянского искусства первых образцов сонатного жанра, которые представляли собой скорее многочастные сюиты. В них жанровые миниатюры и танцы перемежались с частями более общего, моторного плана. Наиболее характерны были: гавот, менуэт, сарабанда, рондо, прелюдия, жига и т. Из ранних образцов такого рода можно отметить сюиты М. Монтеклера 1697 под названием «Серенады или концерты, разделенные на три сюиты пьес для скрипок, флейт и гобоев, сочиненные с фанфарными, бравурными, нежными и сельскими ариями, под которые можно танцевать». Интересны также попытки создания сонат для скрипки и баса С. Броссара и Э. Но лишь в 1740 году появляется первый оригинальный сборник французских сонат для скрипки и баса, принадлежащий Франсуа Дювалю, замечательному скрипачу, члену «Двадцати четырех скрипок», одному из первых во Франции исполнителей сонат Корелли. Говоря о скрипичном репертуаре, Л. Дакен писал, что Дюваль «впервые извлек скрипку из того состояния упадка, в котором она пребывала». Сонатам этого сборника за которым появилось еще шесть сборников сонат того же автора присущи широкая французская мелодика, гибкость и изящество смычковой техники, блестящая ритмика, обильное употребление впервые во французской скрипичной литературе двойных нот, живописный изобразительный стиль к примеру, подражание кастаньетам. Заголовки частей носят жанрово-изобразительный характер, например «Бабочки». Важным моментом является и придание басу виолончель, клавесин или басовая виола самостоятельного характера, вплоть до участия в экспозиции тем. В следующем году появляется первый сборник сонат Жан-Фери Ребеля 1666—1747. Сын члена Королевской капеллы, ученик Люлли, он восьмилетним мальчиком уже играл перед королем. Затем служил в опере скрипачом, клавесинистом и дирижером. Позднее входил в ансамбль «Двадцать четыре скрипки короля», был придворным композитором и дирижером бальных оркестров. Ребель назвал свой сборник «Пьесами, расположенными по тональностям, для скрипки с басом, которые могут быть исполнены также на клавесине или виоле». Названия частей — танцевальные, типично сюитные. Два следующих сборника 1712, 1713 — трио-сонаты и дуэты. Ребель в них отказывается от танцевальных заголовков и дает частям фантастическо-мифологические названия: «Флора», «Аполлон», «Венера» и т. Интерес представляют и два каприса для скрипки с басом — «Рондо» и «Колокольчики». Современники отмечали, что Ребель внес в сонаты много огня и вкуса, что, благодаря французской легкости и умеренности, ему Удалось избежать «устрашающих резкостей» итальянского стиля. В 1707 году появляются сборники сонат еще двух авторов, участников ансамбля «Двадцать четыре скрипки короля»,— Ж. Маршана — «Сюиты пьес для скрипки и баса» и Ш. Лаферте — «Сонаты для скрипки и баса». Все эти сборники показывают, насколько быстро был освоен во Франции этот новый передовой жанр скрипичной музыки. Однако усвоение сонатного жанра публикой происходило гораздо медленнее. Привычка к живым танцевальным миниатюрам затрудняла восприятие иного, более сложного образного содержания сонат. Они казались утомительными, скучными или «устрашающими». Руссо писал: «Чтобы понять, что же собирается выразить это нагромождение звуков в сонатах, надо поступить так, как сделал один плохой художник, который подписал под своими картинами — это дерево, это — лошадь и т. Нередко присоединялись к ним и другие инструменты — арфа, флейты, гобои, валторны и т. Это обилие продукции, не всегда равноценной, приводит к формированию к середине века высокохудожественных образцов французской скрипичной сонаты в творчестве Жан-Мари Леклера, Жака Обера, Жан-Батиста Сенайе и других. Расцвет сонатного творчества, а также инструментального концерта был связан с активизацией концертной жизни во второй четверти века, приездами на гастроли выдающихся иностранных артистов. Кроме концертов при дворе и во дворцах знати, в Париже в 1725 году Ф. Филидором основывается общество так называемых «Духовных концертов».
Состоявшаяся в 2001 году встреча президента России Владимира Путина с канцлером ФРГ Герхардом Шрёдером проходила под аккордеонную музыку: Владимир Ушаков и Светлана Ставицкая, аккордеонисты из Санкт-Петербурга, более 45-ти минут исполняли популярные эстрадные композиции, обработки для аккордеона народной музыки и классических произведений. В нашей школе дети успешно обучаются на баяне и аккордеоне, что помогает охватывать все стороны человеческой личности: мировоззрение, кругозор, эстетическое восприятие, развивает интеллект, а также формирует художественный вкус. Приводите своих детей в класс баяна и аккордеона! Музыкальные инструменты — это магические устройства. Их звучание очаровывает не только тех, кто их слушает, но и тех, кто заставляет их звучать.
Бубен не менее древний перкуссионный инструмент. Ряд исследователей считает, что он появился в бронзовом веке. Местом его происхождения стали страны Ближнего Востока и Азии. Бубны принято подразделять на оркестровые и народные, этнические. Некоторые музыковеды придерживаются мнения, что тамбурин стал образцом для создания этнических бубнов. Народной разновидностью инструмента повсеместно пользовались шаманы для проведения магических ритуалов. Удары по бубну в определенном ритме вводили человека в состояние транса. Большие бубны имели диаметр около полуметра. Деревянный обод был шириной 10 см. Иногда в нем делали прорези для металлических бубенцов, пластинок или колокольчиков. В другом варианте их подвешивали к натянутой внутри обода проволоке либо бечевке. Одну из сторон обтягивали коровьей или бараньей кожей, закрепляли шнурками, получалась мембрана.
Какой национальный музыкальный инструмент Франции. Национальные музыкальные инструменты Франции
Квинтон музыкальный инструмент Франции. если надоели такие новости. Александр Лукашенко пообнимался с ядерной боеголовкой стратегического назначения. Об этом президент Белоруссии рассказал на народном собрании. это музыкальные инструменты, используемые в традиционной народной музыке Франции.
Оркестр Пермской филармонии получил Гран-при во Франции
Редакция сайта не несет ответственности за достоверность информации, содержащейся в рекламных объявлениях. На информационном ресурсе применяются рекомендательные технологии: mirtesen , smi2.
Тогда наше Министерство культуры набирало людей, которые хотели бы научиться делать домбру: пригласили для этого двух мастеров из Казахстана у казахов домбра также является национальным музыкальным инструментом — прим. Тогда учиться пришли семь человек, в итоге остался я один, остальные побросали это дело — они были хорошие резчики по дереву, но не музыканты, вот их и не зацепило", — вспоминает мастер. Свою первую домбру он делал целый месяц.
Сейчас у него уходит от недели до двух. Но очередь из заказчиков все равно растягивается на несколько месяцев. И не только потому, что Дедников теперь — один из лучших и востребованных в Калмыкии мастеров. А сейчас — настоящий бум, такой всплеск интереса… Заказывают и музыкальные школы, и обычные люди — для детей и просто для себя. Кто-то совсем старые инструменты приносит — что-то поправить, лады набить", — говорит он.
Устройство у домбры нехитрое — корпус, длинный гриф и две струны. Но тут же добавляет: "Вопрос в том, каким получится инструмент, кто и что в него вкладывает… Вот есть хороший гитарный мастер в Кисловодске, у нас многие у него заказывают домбру — очень красивые они получаются. Но звук немного другой — больше гитарный, чем домбровый". В старину калмыки-кочевники играли на гораздо более простых домбрах — ладов было всего семь, струны делали из кишок животных, а дерево для домбры брали любое, какое нашлось. Возможно, именно из-за этой простоты и доступности домбра стала истинно "народным" инструментом, говорит преподаватель отделения народных инструментов республиканского Колледжа искусств Любовь Дохаева.
Гриф тоже каждый делал под свою руку — поэтому и длина была разная, и количество ладов — были пятиладовые, семиладовые домбры… И всегда этот инструмент был самым массовым, самым узнаваемым", — рассказывает Дохаева.
Что, в то дикое время обещать, конечно же, было почти что «неправильно», так как сделать это никакой реальной возможности у Серёгиных, к сожалению, не было... Но они, всё же, обещали ей, чтобы хоть как-то облегчить последние минуты её, так зверски загубленной, совсем ещё молодой жизни, и чтобы её измученная болью душа могла, хоть с маленькой на то надеждой, покинуть этот жестокий мир... И даже зная, что сделают всё возможное, чтобы сдержать данное Елене слово, Серёгины всё же в душе не очень-то верили, что им когда-нибудь удастся всю эту сумасшедшую идею воплотить в жизнь... Отправить свою хорошую работу в базу знаний просто. Используйте форму, расположенную ниже Студенты, аспиранты, молодые ученые, использующие базу знаний в своей учебе и работе, будут вам очень благодарны. Со становлением Франции в период Средневековья во французской музыке слились народные музыкальные традиции многочисленных регионов страны. Французская музыкальная культура развивалась, взаимодействуя также с музыкальными культурами других европейских народов, в частности итальянского и немецкого. Начиная со второй половины 20 века музыкальная сцена Франции обогатилась музыкальными традициями выходцев из Африки.
Она не остаётся в стороне от мировой музыкальной культуры, вобрав в себя новые музыкальные тенденции и придав особый французский колорит джазу, року, хип-хопу и электронной музыке. Французская музыкальная культура начала формироваться на богатом слое народной песни. Хотя древнейшие достоверные записи песен, сохранившиеся до наших дней, датируются 15 веком, литературные и художественные материалы свидетельствуют о том, что ещё со времен Римской империи музыка и пение занимали видное место в повседневной жизни людей. С христианством на французские земли пришла церковная музыка. Первоначально латинская, она постепенно изменялась под влиянием народной музыки. Церковь использовала в богослужениях материал, понятный местным жителям. Одним из существенных пластов французской музыкальной культуры была церковная музыка, получившая распространение вместе с христианством. В церковную музыку проникли гимны, складывались свои певческие обычаи, появились местные формы литургии. К фольклорным принадлежат также песни, связанные с галльскими и кельтскими верованиями.
Среди лирических жанров особое место занимают пасторали идеализация сельской жизни. В произведениях любовного содержания преобладают темы неразделённой любви, расставания. Немало песен посвящено детям --колыбельные, игровые, считалки фр. Разнообразны трудовые песни жнецов, пахарей, виноградарей и др. Особую группу составляют баллады о крестовых походах, песни, изобличающие жестокость феодалов, королей и придворных, песни о крестьянских восстаниях эту группу песен исследователи называют « поэтическим эпосом истории Франции». Жан-Филипп Рамо. Ставший знаменитым лишь в зрелые годы, Ж. Рамо так редко и скупо вспоминал о своем детстве и юности, что даже его жена почти ничего об этом не знала. Лишь по документам и отрывочным воспоминаниям современников мы можем восстановить путь, приведший его на парижский Олимп.
День его рождения неизвестен, а крещен он был 25 сентября 1683 г. Отец Рамо работал церковным органистом, и первые уроки мальчик получил от него. Музыка сразу стала его единственной страстью. Жан-Батиса Люлли. Этот выдающийся музыкант-композитор, дирижер, скрипач, клавесинист прошел жизненный и творческий путь, чрезвычайно своеобразный и во многом характерный для его времени. Тогда еще сильна была неограниченная королевская власть, но уже начавшееся экономическое и культурное восхождение буржуазии привело к появлению людей из третьего сословия в качестве не только "властителей дум" литературы и искусства, но и влиятельных фигур в чиновно-бюрократических и даже придворных кругах. Франсуа Куперен - французский композитор и клавесинист, как непревзойденный мастер игры на клавесине он удостоился от своих современников титула "Le Grand" - "Великий". Родился 10 ноября 1668 г. Его отцом был Шарль Куперен, церковный органист.
Французская музыка классического направления достигла своего расцвета в 19 веке. Эпоха романтизма во Франции представлена произведениями Гектора Берлиоза, прежде всего, его симфонической музыкой. А в конце этого столетия во Франции появляется новое направление в классической музыке - импрессионизм, который связывают с именами Клода Дебюсси, Эрика Сатии Мориса, Равеля В 20-х годах 20 века во Франции распространяется джаз , выдающимся представителем которого был Стефан Граппелли. Во французской поп-музыке сложился жанр шансона, где ритм песни повторяет ритм французского языка, акцент делается как на словах, так и на мелодии. Благодаря Мирей Матье, Эдит Пиаф и Шарлю Азнавуру французская музыка в жанре шансон стала необычайно популярна и любима во всем мире. Хочу рассказать про Эдит пиаф 19 декабря 2014 года исполняется ровно 99 лет, как в Париже появилась на свет певица Эдит Пиаф. Она родилась в тяжелейшее время, несколько лет жила слепой и начинала петь в самых злачных кабаках. Постепенно, благодаря своему таланту, Пиаф покорила Францию, Америку, а затем и весь мир… Начало 30-х годов. Из маленького кинотеатра на окраине города после вечернего сеанса выходит странное создание в грязном свитере и потрепанной юбчонке.
Губы неровно намазаны ярко-красной помадой, круглые глаза вызывающе глядят на мужчин. Она посмотрела фильм с Марлен Дитрих. И у нее прическа точь-в-точь как у кинозвезды! Вихляя тощими бедрами, самоуверенная пигалица заходит в прокуренный бар и заказывает два стакана дешевого вина -- себе и молодому моряку, к которому подсела за столик... Эта вульгарная уличная девчонка скоро станет Эдит Пиаф. Во второй половине 20 века во Франции становится популярной эстрадная музыка , известными исполнителями которой явяются Патрисия Каас, Джо Дассен, Далида, Милен Фармер. Патримсия Каамс фр. Patricia Kaas; род. Стилистически музыка певицы -- это смесь поп-музыки и джаза.
С момента выхода дебютного альбома Каас «Мадмуазель поёт блюз» фр. Mademoiselle chante le blues в 1988 году во всём мире было продано более 17 миллионов записей её выступлений. Особо популярна во франкофонных и немецкоговорящих странах, а также в России. Существенная часть её формулы успеха -- это постоянные гастроли: Каас практически всё время находится в заграничных турне. Представляла Францию на конкурсе песни «Евровидение» 2009 года и заняла 8 место. Одним из пионеров электронной музыки был французский композитор Жан-Мишель Жарр, его альбом Oxygene стал классикой электронной музыки. В 90-х годах 20 века во Франции развиваются и другие жанры электронноймузыки, такие как хаус, трип-хоп, нью-эйдж, и другие. Размещено на Allbest. Рамо и "большая" французская опера.
Французская лирическая трагедия как жанр. Лирические трагедии Рамо. Рамо и Де Ла Брюер. Рамо - звучащий Версаль. Черты стиля Рококо в музыке и других видах творчества. Музыкальные образы французских клавесинистов, клавесинная музыка Ж. Рамо и Ф. Метроритм, мелизматика, динамика. Специфика исполнения французской клавирной музыки на аккордеоне.
Артикуляция, меховедение и интонирование, техника исполнения мелизма. Логико-понятийная схема французской музыкальной терминологии: истоки и принципы формирования. Эволюция французской музыкальной терминологии исполнительского искусства, иноязычное влияние на данную сферу. Специфика стиля разных эпох. Додекафонная техника музыкальной композиции. Натуральный мажор и минор, особенности пентатоники, использование народных ладов. Роль В. Одоевского в российской музыкальной культуре. Анализ церковной музыки.
Профессиональный разбор специфики выразительных средств музыки, особенностей баховской полифонии. Признаки психологизма в музыке. Эффективные методы, способствующие воспитанию у подростков музыкальной культуры. Вокально-хоровая работа. Исполнительный репертуар учащихся. Слушание музыки. Метроритмика и игровые моменты. Межпредметные связи. Формы контроля.
Фрагмент урока музыки для 3 класса. Истории направлений американской музыки. Основные течения джаза и кантри. Характерные черты музыкального языка джаза. Ковбойские баллады Дикого Запада. Французская музыка, которую мы слышим, имеет глубокие корни. Она появляется из народного творчества крестьян и горожан, религиозной и рыцарской поэзии, из танцевального жанра. Становление музыки зависит от эпох. Кельтские верования, а впоследствии региональные нравы французских провинций и соседних народностей образуют особенные музыкальные мелодии и жанры, присущие музыкальному звучанию Франции.
Музыка кельтов Галлы - самый крупный кельтский народ потерял свой язык, заговорив на латинском, но приобрел кельтские музыкальные традиции, танцы, эпос и музыкальные инструменты: флейту, волынку, скрипку, лиру. Галльская музыка распевная, связана с поэзией неразрывно. Голос души и выражение эмоций передавали странствующие барды. Они знали множество песен, владели голосом и умели играть, а также использовали музыку в таинственных ритуалах. Во французском фольклоре известны 2 варианта музыкальных произведений : баллады и лирика - народная поэзия с припевом, который заменял музыку. Все песни написаны французским языком, несмотря на то, что жители разных частей Франции говорили на собственных наречиях. Язык центральной Франции считался торжественным и поэтичным. Эпические песни Песни-баллады были в большом почете в народной среде. Германские предания взяли за основу таланты из народа для своих песен-легенд.
Эпический жанр исполнял жонглер - народный певец, который как летописец увековечивал события в песне. Позже, его музыкальный опыт передается средневековым бродячим певцам - трубадурам, менестрелям, труверам. Среди песен-легенд значительную группу составляет песня - жалоба, как отклик на трагические или несправедливые события. Религиозный или светский рассказ обычно грустный, с преобладанием минорной тональности. Жалоба могла быть романтической или приключенческой, в которой главным сюжетом оказывалась любовная история с трагическим концом или сцены страстей, порой полные жестокости. Песня-жалоба распространялась вглубь деревень и постепенно обретала шуточный и сатирический характер. Напевом жалоб могли быть церковные песнопения или деревенское пение - длительные, с паузами рассказы. Классическим примером повествовательных песнопений является «Песня о Рено», имеющая ритм в мажоре. Мелодия спокойна и подвижна.
Песенную балладу с кельтскими мотивами можно услышать в творчестве Нольвен Леруа - фолк-певицы из Бретани. Первый альбом «Бретонка» 2010 г. Баллады звучат и у классиков рок-фолка - «Tri Yann». Повесть о простом моряке и его подруге признана хитом и жемчужиной фольклора.
Какими бывают? Разновидностей такого музыкального инструмента, как тамбурин, огромное множество. Отличаются они друг от друга размером, цветом, материалом, формой и другими критериями. Так, если раньше тамбурин мог быть только деревянным, то в нынешнее время можно встретить и пластиковые образцы. Кроме того, в недорогих моделях кожаная мембрана заменяется также пластиком. Есть и ножные тамбурины. Такой вариант будет удобен для аккомпанировки тем, что его можно закрепить на ноге, а в руках держать иной инструмент. Помимо этого, различают также круглый и полукруглый тамбурины. Однако из отличий у них не только форма. Круглым тамбурином научиться владеть несколько труднее, но при этом его звук является более завораживающим. Данный инструмент полукруглой формы обычно делают из пластика. Он немного удобнее первого тамбурина, имеющего круглую форму. Его прямая сторона наиболее часто используется как ручка, за счёт чего таким тамбурином гораздо проще и легче управлять. Помимо этого, данный музыкальный инструмент способен уловить любое дрожание руки, что придаёт его звучанию свою определённую изюминку. Популярные производители В нынешнее время существует большое количество разных производителей, которые занимаются созданием и продажей такого музыкального инструмента, как тамбурин. Самыми популярными из них являются производители: Sonor;.
Глава IV ФРАНЦУЗСКОЕ СКРИПИЧНОЕ ИСКУССТВО
Некоторое оживление в области культуры наметилось лишь к концу периода Реставрации. В 20-30-х 19 века складывалась французская романтическая опера, а так же жанр большой оперы на историко-патриотические и героические сюжеты. Одним из наиболее ярких представителей французского музыкального романтизма во всем мире по праву признан Г. Берлиоз, создатель программного романтического симфонизма. В годы II империи во Франции модной светской тенденцией становится увлечение кафе-концертами, театральными ревю, искусством шансонье. В этот период популярны и многочисленны водевили, фарсы, оперетты. Французская оперетта в буквальном смысле переживает расцвет, начинает звучать особенно интересно, по-новому, своеобразно, что напрямую связано с именами её духовных создателей и вдохновителей Ж. Оффенбахом, Ф. Она постепенно утрачивает свою сатиру, пародийность, злободневность, с опереточной легкостью и непринужденностью меняя их историко-бытовые и лирико-романтические сюжеты. Это полностью соответствует общей музыкальной тенденции того времени: на первый план практически во всех культурных сферах выдвигается лирический характер. В опере эта тенденция проявилась в стремлении к повседневным сюжетам, к изображению простых людей с их интимными переживаниями.
Среди наиболее известных авторов лирической оперы следует назвать Ш. Массне, Ж. Бизе «Кармен». Но мода непостоянна и ветрена, в том числе и музыкальная мода, а тем более во Франции. Уже во второй половине 19 в. Важным событием общественной и политической жизни Франции стала Парижская коммуна 1870—1871 годов. Она нашла свое отражение и в музыкальной культуре: было создано немало рабочих песен, одна из которых — «Интернационал» музыка Пьера Дегейтера на слова Эжена Потье стала гимном коммунистических партий, а в 1922—1944 годах — гимном СССР. Новые веянья. В конце 80-х — 90-х годов 19 века во Франции возникло новое течение, получившее распространение в начале 20 в. Музыкальный импрессионизм возродил определенные национальные традиции — стремление к конкретности, программности, изысканности стиля, прозрачности фактуры.
Импрессионизм нашел наиболее полное выражение в музыке К. Дебюсси, сказался на творчестве М. Равеля, П. Дюка и других. Импрессионизм внес новшества и в область музыкальных жанров. В творчестве Дебюсси симфонические циклы уступают место симфоническим зарисовкам; в фортепианной музыке преобладают программные миниатюры. Морис Равель также испытал влияние эстетики импрессионизма. В его творчестве переплелись различные эстетико-стилистические тенденции — романтические, импрессионистические, а в поздних произведениях — тенденции неоклассицизма. Наряду с импрессионистическими тенденциями во французской музыке на рубеже 19-20 вв. После Первой мировой войны во французском искусстве проявляются тенденции к отрицанию немецкого влияния, стремлению к новизне и, в то же время — к простоте.
В это время под влиянием композитора Эрика Сати и критика Жана Кокто сложилось творческое объединение, получившее название «Французская шестерка», участники которой противопоставляли себя не только вагнерианству, но и импрессионистской «расплывчатости». Впрочем, по словам её автора — Франсиса Пуленка группа «не имела никаких других целей, кроме чисто дружеского, а вовсе не идейного объединения», и уже с 1920-х годов её участники среди наиболее известных также Артур Онеггер и Дариус Мийо развивались каждый индивидуальным путём. В 1935 году во Франции возникло новое творческое объединение композиторов — «Молодая Франция», в которое входили в том числе такие композиторы как О. Мессиан, А. Жоливе, которые подобно «Шестерке» ставили во главу угла возрождение национальных традиций и гуманистические идеи. Отрицая академизм и неоклассицизм, они направили свои усилия на обновление средств музыкальной выразительности. Наиболее влиятельными стали поиски Мессиана в области ладовых и ритмических структур, которые нашли своё воплощение, как в его музыкальных произведениях, так и в музыковедческих трактатах. Выдающимся представителем французского музыкального авангарда стал композитор и дирижер Пьер Булез, который, развивая принципы А. Веберна, широко применяет такие методы композиции, как пуантилизм и сериальность. Особую «стохастическую» систему композиции применяет композитор греческого происхождения Я.
Значительную роль Франция сыграла в становлении электронной музыки — именно здесь в конце 1940-х годов появилась конкретная музыка, под руководством Ксенакиса был разработан компьютер с графическим вводом информации — UPI, а в 1970-х во Франции зародилось направление спектральной музыки. Подводя итоги, можно отметить, что основными вехами 20 века во французской музыкальной культуре являлись: музыкальный импрессионизм, авангардные музыкальные течения, получивш9ие свое развитие после 2-ой Мировой войны, электронная музыка, французский шансон. Взгляд в будущее. И в наши дни Франция, безусловно, остается одним из крупнейших мировых центров музыкальной культуры. В самой же Франции музыкальным центром, а точнее ее ритмично бьющимся, пульсирующим сердцем является — Париж. Это не голословное утверждение, а факт, подтвержденный наличием во французской столице: «Государственной парижской оперы», театрами «Опера Гарнье» и «Опера Бастилия», многочисленными театрами, концертными залами, площадками. Музыкальные учебные заведения Франции Парижская консерватория, «Скола канторум», «Эколь нормаль» и т. Крайне интересным аспектом является то, что во Франции большое значение придается научной работе в сфере музыки. Здесь в полной мере отражается принцип служения науки искусству. Важнейшим музыкальным научно-исследовательским центром является Институт музыковедения при Парижском университете.
Книги, архивные материалы хранятся в Национальной библиотеке, где уже в 1935 году было специально создано отделение музыки, а так же в Библиотеке и Музее музыкальных инструментов при консерватории. Тысячи туристов приезжают во Францию ради различных музыкальных мероприятий, которые проводятся на регулярной основе. Все они по праву считаются яркими, самостоятельными, значимыми событиями музыкальной культурной жизни. Трудно решить, кто победил в этой гонке талантов, можно назвать лишь наиболее известные и популярные мероприятия насыщенной культурной и музыкальной жизни Франции: Международный конкурс пианистов и скрипачей им. Лонг и Ж. Тибо, конкурс гитаристов, Международный конкурс молодых дирижёров в Безансоне, Международный конкурс вокалистов в Тулузе, Международный конкурс арфистов в Париже и т. Нельзя оставить без внимания и многочисленные фестивали: Осенний фестиваль в Париже, Парижский фестиваль музыки 20 века, Конкурс пианистов в Эпинале, Фестиваль классической музыки в Руане и другие, «Перламутровые ночи» — фестиваль аккордеонистов в городе Тюль, конкурс органистов «Гарн-при де Шартр». В 1982 году 21 июня французы придумали и впервые провели «Праздник музыки». В этот день все желающие могут петь, играть музыку прямо на улицах городов. Здесь можно встретить начинающих исполнителей и знаменитостей.
В настоящее время этот праздник стал международным и отмечается в 110 странах мира. Французской музыкальной сцене известны практически все направления популярной музыки, в то же время она породила и ряд специфических национальных жанров, прежде всего — французский шансон. Он не имеет ничего общего с русским шансоном. В современной культуре шансоном называют популярную французскую музыку, которая сохраняет специфическую ритмику французского языка. Эти песни существенно отличаются своими мелодиями, текстами, смыслом, духом и звучанием от песен, написанных под влиянием англоязычной музыки. Их можно узнать с первых нот, с первых аккордов. Сердце само откликается уже при первых звуках, а на губах невольно появляется теплая, простая улыбка. Именно простотой и теплотой пронизаны все мелодии французского шансона. О чем бы не пелось в этих песнях, в них есть главное — душа. Их диски до сих пор успешно продаются по всему миру, песни звучат по радио, их охотно скачивают в Интернете.
Франция трижды принимала у себя международный музыкальный конкурс Евровидение. Произошло это важное событие современной музыкальной жизни в 1959, 1961 и 1978 годах. Победу на конкурсе Евровидение одерживали пять французских исполнителей — Андре Клавье 1958 , Жаклин Бойер 1960 , Изабель Обре 1962 , Фрида Боккара 1969 и Мари Мириам 1977 , после чего наивысшим достижением французов было второе место в 1990 и 1991 годах. Французские музыканты внесли особый вклад в новый, современный жанр электронной музыки. Для меня на особо почетном месте стоит Жан-Мишель Жарр, его грандиозные, завораживающие, незабываемые лазерные шоу, прославившие композитора и музыканта по всему миру. Его творчество понятно и популярно у нас в России, как среди молодежи, так и среди меломанов более старшего поколения. Таким образом, мы поняли, что Франция играет огромную роль в истории музыки, а музыка играет огромную роль в истории Франции. Она активно влияла на формирование музыкальной культуры в других странах, в определенные исторические эпохи считалась эталоном, с которого брали пример, которому подражали. Она прекрасно умела вбирать в себя, впитывать музыкальные тенденции, жанры, направления и стили других народов, адаптируя их, перерабатывая, переосмысливая, заставляя звучать по-новому, по-французски. Ярким примером столкновения и взаимодействия музыкальных культур на современном этапе можно считать взаимодействие американской и французской музыкальных культур.
С самого начала проникновения американской массовой культуры на европейский континент французы всеми силами пылись сохранить чистоту своей культуры, в том числе и музыкальной, боролись за ее уникальность, исключительность, самобытность и независимость. Французы любят, ценят, гордятся и крайне бережно хранят свою современную музыкальную культуру. Следует отметить, что благодаря весьма правильной государственной политике в сфере культуры, позиции соответствующего министерства, видных деятелей Франции, им многое удалось сделать в сфере сохранения, развития и популяризации французской музыкальной культуры. В результате французы смогли избежать как безраздельного американского доминирования, так и своей культурной изоляции. Это удалось в частности благодаря квотам на вещание, установленным ограничениям для радиостанций на воспроизведение англоязычной музыки, всевозможные льготные условия для отечественных исполнителей. С другой стороны, важную роль сыграл французский патриотизм, любовь ко всему «родному, французскому», гордость и уважение к своей культуре, по-моему, заложенное во французах с детства. В данной связи уместнее говорить о взаимном проникновении музыкальных культур. Есть французские песни — переводы с английского, гораздо более известные, чем оригиналы. А кто знает оригинал — «Waterloo Road»? Надеюсь, что теперь вы, как я, убедились в том, что французская музыкальная культура богата, многообразна, уникальна, неповторима и влиятельна.
Возможно, вы, как и я, полюбите ее, или хотя бы заинтересуетесь и попытаетесь узнать о ней больше. Уместно будет и нам взять за образец бережное отношение французов к своей музыкальной культуре, как на уровне государства, так и на уровне простых граждан.
Струны плотно прилегают к колесу и в момент трения приводятся в резонанс.
Вместо привычного для струнных инструментов грифа, изменение высоты тона мелодических струн регулируется специальными ладовыми флажками, расположенными в коробе на верхней деке инструмента. Аппликатурам и системам расположения флажков в коробе нет числа: в каждой стране имеется своя система и особенность. Форма корпуса инструмента бывает очень разной.
Например, колёсные лиры изготавливают на базе гитарного, лютневого, виолончельного корпусов, кроме того существует множество авторских проектов геометрии этого инструмента. Звук колёсной лиры постоянный, мощный, с небольшим гнусавым оттенком. Чтобы смягчить звук струн, место их контакта с ободом колеса обматывают волокнами льна, шерсти или ваты.
Качество звучания инструмента зависит от точной центровки колеса, более того, колесо должно быть гладким и хорошо наканифоленным.
Позднее он стал использоваться и в оркестровой музыке. Tamburino в переводе с итальянского означает «барабанчик». Среди маститых музыкантов прошлых столетий порой случались дискуссии на тему, в чем отличие тамбурина от барабана. Французские маэстро Суайе и Видор пришли к выводу, что очевидная разница заключается в форме инструментов и издаваемом ими звуке. У тамбурина он менее резкий, скорее, глуховатый. Иногда тамбурин путают с бубном. Между ними, действительно, немало сходства. Однако есть отличия в конструкции и звучании: у тамбурина оно более мягкое. Бубен не менее древний перкуссионный инструмент.
Ряд исследователей считает, что он появился в бронзовом веке. Местом его происхождения стали страны Ближнего Востока и Азии. Бубны принято подразделять на оркестровые и народные, этнические.
На этом шаблоне мастер не спеша собирает будущий инструмент. Клен, особенно канадский, — вот он самый хороший, его волокна лучше всего проводят звук, недаром же скрипки Страдивари сделаны именно из него! Мне, например, нравится орех — у него тоже хорошее звучание, мягкое", — рассказывает он. Когда "правильное" дерево подобрано, его нужно высушить и особым образом подготовить. Только после этого начинается чистовая обработка и склейка будущего инструмента. Учиться делать домбры Савр Дедников начал 15 лет назад.
Да просто пришел, как говорится, по объявлению. Тогда наше Министерство культуры набирало людей, которые хотели бы научиться делать домбру: пригласили для этого двух мастеров из Казахстана у казахов домбра также является национальным музыкальным инструментом — прим. Тогда учиться пришли семь человек, в итоге остался я один, остальные побросали это дело — они были хорошие резчики по дереву, но не музыканты, вот их и не зацепило", — вспоминает мастер. Свою первую домбру он делал целый месяц. Сейчас у него уходит от недели до двух. Но очередь из заказчиков все равно растягивается на несколько месяцев. И не только потому, что Дедников теперь — один из лучших и востребованных в Калмыкии мастеров. А сейчас — настоящий бум, такой всплеск интереса… Заказывают и музыкальные школы, и обычные люди — для детей и просто для себя.
Волынка - старинный славянский инструмент
РИА Новости, 1920, 19.06.2023. Эти инструменты звучат в камерных концертах, различных ансамблях и оркестрах русских народных инструментов, они желанные Аккордеон в переводе с французского – означает «гармонь». Народные инструменты франции. Чагане струнные смычковые музыкальные инструменты. Во Франции его популярность определила доступность и легкость воспроизведения народных мелодий. Со становлением Франции в период Средневековья во французской музыке слились народные музыкальные традиции многочисленных регионов страны. В музыкальном быту были широко распространены виола, лютня, гитара, скрипка (как народный инструмент).
Не путайте белорусскую дуду с шотландской волынкой. Чем уникален этот инструмент?
Стоит упомянуть, что звук инструмента очень похож на жужжание шмеля. Для игры на колёсной лире музыканту необходимо правой рукой крутить ручку, а левой рукой играть мелодию на клавишах. При нажатии на клавиши появляется высокий звук струн шантрель. Первая колёсная лира была более 1.
Тамбурин — это достаточно интересный старинный музыкальный инструмент. Его история имеет древние корни, сам он является одним из близких родственников барабана и бубна, а также относится к семейству ударных мембранофонов. О том, что же собой представляет данный музыкальный инструмент, в чём его отличия от барабана и бубна, какова его история и о многом другом, вы сможете узнать из информации, что приведена ниже. Что это такое?
Тамбурин — это одна из разновидностей ударных музыкальных инструментов, имеющая форму цилиндра и относящаяся к семейству мембранофонов. Помимо этого, так называется особый танец в двудольном размере, а также музыкальная композиция к нему. Тамбурин, ввиду его формы и звучания, достаточно часто используется в разнообразных обрядах шаманов, ритуалах, песнопениях и танцах. В руках талантливого шамана звучание этого инструмента становится поистине завораживающим, магическим и чарующим. Кроме того, услышать его звучание можно и в музыке турецких, греческих и итальянских народов. Самые близкие родственники данного музыкального инструмента — это обыкновенный барабан или же бубен. Однако разница между всеми этими инструментами всё-таки очень заметна.
Тамбурин выглядит как барабан маленького размера, но он значительно превосходит его по длине, а в ширину, наоборот, меньше. Кроме того, в игре он гораздо податливее барабана. Отличий от бубна тоже достаточно много, как, собственно, и внешних сходств. Однако тамбурин отличается некоторыми особенностями своей конструкции, да и звучит он намного мягче и не так резко, скорее, даже глухо. Описанию музыкального инструмента Традиционный тамбурин выглядит как ободок из дерева, имеющий круглую форму. Встречаются также полукруглые и треугольные тамбурины, однако намного реже, а современные музыкальные инструменты могут иметь форму даже звезды.
В 18 веке — конце 19 века музыка становится уже настоящим оружием в борьбе за свои убеждения и желания. Писал гимны, песни, романсы. В 1792 году написал композицию «Марсельеза», в будущем ставшую гимном Франции. Глюк Кристоф Виллибальд 1714-1787 — знаменитый франко-немецкий композитор.
Наиболее славная его деятельность связана с парижской оперной сценой, для которой он написал свои лучшие произведения на французские слова. Поэтому французы считают его Французским композитором. В 20 веке появляются настоящие исполнители-профессионалы. Именно они сделали французские песни такими известными, создав целое направление французского шансонье. На сегодняшний день их имена стоят вне времени и моды. Все они известны своими прекрасными лирическими песнями, которые завоевали не только слушателей Франции, но и других стран. Многие из них были перепеты другими исполнителями. Источник Музыкальные инструменты страны франции Музыкальная культура Франции: прошлое, настоящее и будущее. Как часто мы задумываемся о том, насколько для нас важна музыка? Она служит отличным способом самовыражения, способом передачи чувств, эмоций и мыслей.
Не зря музыку называют универсальным языком общения. Музыка близка и понятна всем. Каждый народ нашей планеты прекрасно освоил известные всем 7 нот. Музыкальный язык самый простой и самый доступный. Он проникает в сердце и душу. Он служит для объединения разных народов и людей, строя прекрасные мосты от сердца к сердцу, от души к душе. Эти великолепные мосты порой перекидываются через века, от одной страны к другой, от одного континента через океан до другого материка. Музыкальный язык способен творить чудеса. Каждый из нас испытывает и ощущает непередаваемые вещи после произведений великих классиков. Нас пробирает дрожь от высоких нот, нас бросает в слезы от знакомых мотивов.
Мы ищем в тексте себя, а в мелодии слышим знакомые голоса. Не так ли? А как после этого вы смотрите на музыку? Как, осознав роль музыки, вы будете смотреть на мир без нее? Представьте только жизнь без того, после чего вам хочется безостановочно смеяться, после чего вам хочется танцевать, а возможно и плакать… Жутко, верно? А что вас может перенести за грань реальности? Что может перевернуть ваш внутренний мир? Какие произведения, какая музыка? Задумайтесь об этом. Но сегодня я расскажу вам о музыке Франции.
Сегодня вы убедитесь, что она такая же чудесная, как и сама Франция. Так же утонченно звучит и манит, и манит, и манит. Французский язык очень музыкален, мелодичен, напевен. Самые простые слова и фразы словно таят в себе музыку и в любой момент готовы превратиться в песню. Французская музыка — одна из самых интересных и влиятельных европейских музыкальных культур. В ней явно прослеживаются отголоски древних культур, фольклор кельтских и франкских племен, живших в давние времена на территории нынешней Франции. Именно они послужили основой, благодатной почвой, на которой, если выражаться образно, выросло прекрасное, могучие, ветвистое древо французской музыкальной культуры. Кельтские и франкские корни преобразились в крепкий ствол, сформировавшийся в эпоху средневековья, а многочисленные ветви и веточки выросли на нем в более поздние периоды, например, в эпоху ренессанса, классицизма, модерна и т. Сюда органично вплелись музыкальные традиции, как многочисленных народов страны, так и других европейских государств. Наиболее тесное взаимодействие и взаимопроникновение наблюдалось между музыкальными культурами Франции, Италии, Германии, Испании.
Фламандская культура так же оказала большое влияние. Следует помнить, что, как утверждают сами французы, Франция — это страна, открытая миру. Правда, на протяжении веков они понимали этот лозунг весьма своеобразно, например, ведя активную колонизаторскую политику. Тем не менее, в плане развития собственной музыкальной культуры этот процесс оказал ощутимое положительное влияние. Французская музыкальная культура значительным образом обогатилась, впитав в себя все самое лучшее из музыкальных культур народов Африки и Азии. Эта тенденция ярко проявилась во второй половине 20 века, когда музыкальная сцена Франции обогатилась музыкальными традициями выходцев из Африки. Говоря о музыкальной культуре Франции, нельзя не упомянуть существенный вклад в ее развитие, сделанный русской музыкальной культурой. Две великие державы связаны тесными узами долгой истории практически во всех сферах человеческой деятельности. Долгое время, русская культура подпитывалась за счет французской, которая воспринималась в нашем обществе в качестве эталона и объекта для подражания. Но потом пришло время «отдавать долги», и уже культурные деятели Франции равнялись на своих российских коллег, перенимали от них все самое лучшее, передовое и интересное.
После революции 1917 года и гражданской войны в России многие эмигранты нашли приют именно во Франции. Их вклад во французскую культуру, в том числе и в музыкальную культуру, огромен. Его сложно переоценить, а тем более не заметить. Таким образом, говоря о французской музыкальной культуре, мы говорим о совершенно уникальном явлении мирового масштаба. Эта культура впитала в себя все самое лучшее практически у всех народов, изменила, трансформировала, переосмыслила, придала новый импульс и звучание, и, в конечном итоге, сформировалась в нечто прекрасное, неповторимое, своеобразное, манящее и завораживающее. Это живой организм, продолжающий расти, изменяться, преображаться. Французская музыкальная культура не остается в стороне от мировой музыкальной культуры. Она придает новый, особый французский колорит таким современным направлениям в музыке, как джазу, року, хип-хопу и электронной музыке. Этапы формирования французской музыкальной культуры. Французская музыкальная культура начала формироваться на богатом слое народной песни.
Древнейшие достоверные записи песен, сохранившиеся до наших дней, датируются 15 веком. С христианством на французские земли пришла церковная музыка. Первоначально латинская, она постепенно изменялась под влиянием народной музыки. Церковь для укрепления своих позиций и влияния на французский народ, использовала в богослужениях материал, понятный, близкий и доступный местным жителям. Вот что об этом говориться в электронной энциклопедии Википедии: «Именно таким образом между 5 и 9 веками в Галлии сложился особый, своеобразный тип литургии — галликанский обряд с галликанским пением. О нем известно из исторических источников, свидетельствующих, что он значительно отличался от римского. К сожалению, он не сохранился, поскольку французские короли отменили его, стремясь получить от Рима титул императоров, а римская церковь пыталась добиться унификации церковной службы. Влияние ее на формирование музыкальной культуры было огромно, а отголоски слышны в музыке до сих пор, их только надо суметь услышать. В период Средневековья лучше всего было документировано развитие церковной музыки. На замену ранним галликанским формам христианской литургии пришла григорианская литургия.
Распространение григорианского пения в период царствования династии Каролингов связано прежде всего с деятельностью бенедиктинских монастырей. Католические аббатства Жюмьеж стали центрами церковной музыки, ячейками профессиональной духовной и светской музыкальной культуры. Для обучения учащихся пению при многих аббатствах были созданы специальные певческие школы метризы. Там преподавали не только григорианское пение, но и игру на музыкальных инструментах, умение читать музыку. В середине 9 в. В 9 веке григорианский хорал обогатился секвенциями, которые во Франции называют также прозами. Создание этой формы приписывалось монаху Ноткеру из Санкт-Галленского монастыря современная Швейцария. Впрочем, Ноткер указывал в предисловии к своей «Книге гимнов», что сведения о секвенции он получил от монаха с Жюмьежзского аббатства. Впоследствии во Франции особенно прославились авторы проз Адам из аббатства Сен-Виктор 12 в. Таким образом, легко заметить, что у фольклорной музыкальной культуры тематическая и жанровая палитра в разы богаче, чем у церковной.
Среди лирических жанров особое место занимают пасторали. Эта тема нашла отражение не только во французской музыкальной культуре, но и в литературе, живописи, театре. Популярная даже при королевском дворе пастораль воспевала и идеализировала сельскую жизнь, рисуя сказочную картинку, безумно далекую от реальной. Во французской народной музыке мне особенно нравится один раздел, который, так или иначе, присутствует в фольклоре любого народа. Он кажется мне наиболее милым, приятным, жизнерадостным. В нем ощущается тепло, трепет, материнская забота, наивность, стремление верить в чудеса и радоваться каждому прожитому дню. Я говорю о французских народных песнях посвященных детям — колыбельные, игровые, считалки фр. Разнообразны трудовые песни жнецов, пахарей, виноградарей и др. Другой жанр французской народной музыки был очень созвучен с музыкальными традициями стран Европы, участвовавших в крестовых походах.
Он распространен практически на всей территории Франции.
У него может быть 6 струн, две из которых называются «шантрель» самая высокая струна , другие две называются «бурдон грав» низкий бурдон , что можно перевести как «низкий шмель». Стоит упомянуть, что звук инструмента очень похож на жужжание шмеля. Для игры на колёсной лире музыканту необходимо правой рукой крутить ручку, а левой рукой играть мелодию на клавишах.
Какой национальный музыкальный инструмент Франции. Национальные музыкальные инструменты Франции
Особенное распространение инструмент получил на юге Франции. Музыкальные инструменты в средние века Народные музыкальные инструменты франции. При этом в современных оркестрах русских народных инструментов аналогичную бас-канону функцию выполняет контрабас-балалайка.