В основу «Рапсодии» положен следующий жанр классической музыки: инструментальный концерт. Сегодня мы вспомнили жанры народной музыки, освежили в памяти информацию об истоках русской музыки. СИМФОНИЕТТА – появились в XIX в. (итал. sinfonietta, уменьшит. от sinfonia) – жанр симфонической музыки, отличающийся от симфонии меньшим масштабом цикла и оркестровым составом (малый симфонический или камерный оркестр). 1. когда была написана и опубликована «патетическая соната» бетховена? что означает это название? явилось необычным в форме первой части сонаты? как построено вступление к этой части? опера, симфоническая, балетная, камерная, эстрадная.
Р А П С О Д И Я
Сегодня мы вспомнили жанры народной музыки, освежили в памяти информацию об истоках русской музыки. Концерт Сюита Соната презентация, доклад. Содержание. 1. Циклические формы инструментальной музыки. Концерт Сюита Соната. 2. Слайд 2. 3. Сюита в переводе с французского означает— «ряд». какой жанр классической музыки положен в основу «Рапсодии» - сюита, соната, инструментальный концерт? Просмотри внимательно Лист ответов и заполни его полностью. Не забывайте делать перерывы между уроками в 10-15 минут.
Музыка. 6 класс
Характерные черты джаза: Импровизация — основа джаза. Каждый исполнитель, инструмент самостоятельны, свободны, не стеснены написанной партией. Полиритмия — сочетание в музыкальном произведении двух и более самостоятельных ритмических рисунков в рамках одного размера. Синкопы — смещение акцента с сильной доли на слабую Главные инструменты в джазовом оркестре — духовые. Они солируют. Гершвин считал, что его «Рапсодия» написана в джазовом стиле, но принадлежит к серьёзной музыке. Импровизационность, заимствованная у джазовых музыкантов, — главная черта этого сочинения — сочетается с принципами развития европейского классического симфонизма. Этот стиль получил в истории музыки название симфоджаз. Название произведения американского композитора Джорджа Гершвина для фортепиано с оркестром переводят по-разному: «Рапсодия в стиле блюз» или «Голубая рапсодия». Слово blue в английском языке имеет несколько значений: лирическая песня блюз , голубой цвет — цвет грусти, печали, настроений, типичных для негритянских блюзов. Раскованность звукового потока проявляется в частой смене темпов, динамики, свободной игры мотивов, ритмов.
И тем не менее менуэт стал неотъемлемой составной частью сначала мангеймской, а затем и классической симфонии, пока от него не отказался Бетховен [39] [40]. На развитии жанра сказывалась дальнейшая эволюция сонаты, в свою очередь также испытавшей на себе влияние оперного стиля хотя это в большей степени относится к скрипичной сонате, нежели к клавирной и к середине XVIII века превратившейся в самый богатый и сложный жанр камерной музыки, в форму, «охватывающую все характеры и все выражения», по словам И. Шульца [22] [41]. Популярную в камерной музыке форму рондо — с песенным чередованием неизменяемой главной темы рефрена и постоянно обновляемых эпизодов — постепенно вытесняла конфликтная сонатная форма , основанная на музыкально-драматическом контрасте тем. В первой половине XVIII века, прежде всего в одночастных клавирных сочинениях Доменико Скарлатти опиравшегося на симфонический опыт своего отца Алессандро [42] и 3-частных К. Баха , сложилась форма сонатного аллегро с тремя стадиями развёртывания образа или идеи — экспозицией , разработкой и репризой [22] [43]. Такого рода трёхчастность была характерна для стандартной арии доглюковской оперы — aria da capo , в которой третья часть дословно повторяла первую, но после «конфликтной» второй части воспринималась как разрешение драматической ситуации [44] В середине столетия жанр концертной симфонии культивировался композиторами мангеймской школы и представителями так называемой предклассической или ранней венской школы — М. Монном, Г. Вагензейлем , учителем Й.
Гайдна Г. В жанре симфонии экспериментировал и не создавший собственной школы, но многому научивший В. Моцарта Йозеф Мысливечек [46] [47]. Симфонии исполнялись уже не только в светских концертах, но и в церквах, — во всяком случае, английский историк музыки Чарлз Бёрни , путешествуя по Италии, отметил, что в Турине в церкви симфония исполнялась ежедневно, в определённое время — от 11 до 12 часов [33]. В партитурах струнные инструменты постепенно дополнялись духовыми — гобоями или флейтами , валторнами и трубами ; камерный струнный оркестр превращался в симфонический [48]. Ян Стамиц , глава мангеймской школы Сочинения интернационального коллектива музыкантов — Я. Стамица , А. Фильса , Ф. Рихтера , К.
Каннабиха и других мангеймцев — были однотипными. Оперные истоки отчётливо присутствовали в первой части симфонии: решительные, полнозвучные аккорды в начале напоминали героические фанфары оперной увертюры; две разнохарактерные темы имели сходство с интонациями традиционных оперных арий — героической и лирической; а в финале симфонии можно было расслышать интонации буффонных и народно-жанровых образов музыкального театра [21] [49]. Одновременно первая часть мангеймской симфонии аллегро воспроизводила форму, к тому времени уже сложившуюся в жанре сонаты, с характерными для неё сопоставлениями различных, нередко контрастных музыкальных тем, главной и побочной, и тремя основными разделами — экспозицией , разработкой и репризой , в которых, в свою очередь, воплотилась художественная логика классической драмы: завязка, развитие действия и развязка [50] [51]. В концентрированном виде — и уже фактически в форме сонатного аллегро — этот принцип был осуществлён в диалоге Орфея с фуриями в опере К. Глюка « Орфей и Эвридика », написанной в 1762 году. Образы «скорби и страха», олицетворяющие у Глюка мотив «человека и судьбы», — темы Орфея и фурий — в начале сцены предстают как конфликтные; драматическое напряжение последовательно нарастает и достигает своей кульминации в грозном выкрике фурий: «Нет! Сюжет этой сцены разыгрывается на интонационном уровне, слова ничего существенного к нему не добавляют, — таким же образом несколькими годами позже Глюк представил в увертюре сюжет своей « Альцесты ». По сравнению с мангеймскими мастерами он впервые сообщил противопоставлению двух тем яркую выразительность героико-трагического театрального конфликта, и эта новация получила своё дальнейшее развитие в симфоническом творчестве Бетховена [53]. Мангеймская же симфония, как и позже венская классическая, опиралась одновременно и на давно сложившиеся в австро-немецкой культуре богатые традиции инструментальной музыки: от камерных ансамблевых сонат и органной литературы позднего барокко она унаследовала свой углублённо-интеллектуальный характер и в этом отношении скорее противопоставляла себя традиционной итальянской опере, с её декоративностью и почти осязаемой конкретностью образов [54].
Как и в реформаторских операх К. Глюка, в мангеймской симфонии наиболее полно воплотились принципы позднего классицизма, его просветительского этапа, включая требование стройности и законченности композиции, логической ясности замысла и чёткого разграничения жанров [16]. Родившаяся в потоке развлекательных и бытовых музицирований, симфония в Мангейме стала высшим жанром инструментальной музыки. Продолжая гегелевскую параллель между музыкой, как самым абстрактным из искусств, и математикой, О. Шпенглер ставил создание симфонии в один ряд с формулированием функционального анализа , которым в те же годы был занят Леонард Эйлер : «Стамицем и его поколением была найдена последняя и наиболее зрелая форма музыкальной орнаментики — четырёхчастная композиция как чистая бесконечная подвижность. Вместо образного ряда возникает циклическая последовательность» [55]. Мангеймская симфония непосредственно подготовила классическую: именно в ней, пишет В. Конен, в результате длительного отбора окончательно установился круг образов, характерный для сочинений венских классиков [37] [56]. Классическая симфония[ править править код ] Йозеф Гайдн , портрет работы Т.
Харди, 1792 В дальнейшем развитии жанра выдающуюся роль сыграла венская классическая школа. У Гайдна, а затем и у В. Моцарта каждая часть обрела самостоятельный тематический материал, единство цикла обеспечивалось тональными сопоставлениями, а также чередованием темпов и характера тем [57]. Если симфонии Гайдна отличались изобретательностью тематического развития, оригинальностью фразировки и инструментовки, то Моцарт внёс в симфонию драматическую напряжённость, придал ей ещё большее стилевое единство. Опыт Моцарта отразился и в поздних симфониях Гайдна [57]. На симфоническое творчество Л. Глюка и А. Сальери до « опер спасения » Луиджи Керубини [59] [60]. Бетховен расширил масштабы симфонии; в его сочинениях части теснее связаны тематически и цикл достигает большего единства; спокойный менуэт Бетховен заменил более эмоциональным скерцо ; впервые применённый им в Пятой симфонии принцип использования родственного тематического материала во всех четырёх частях положил начало так называемой циклической симфонии.
Он поднял на новый уровень тематическое развитие разработку , используя новые формы изменений, в том числе перемены лада — мажора в минор и наоборот, что Д. Скотт обозначил как «бетховенский вариант гегелевской диалектики », снятие противоречий [61] , — а также ритмические сдвиги, вычленение фрагментов тем, контрапунктическую разработку. Центр тяжести у Бетховена нередко смещался с первой части как это было у Гайдна и Моцарта на финал; так, в Третьей , Пятой и Девятой симфониях именно финалы являются кульминациями. У Бетховена впервые появилась «характерная» симфония Третья, «Героическая» ; он по-новому, иначе, чем Гайдн, использовал в симфоническом жанре программность: его Шестая «Пасторальная» симфония, как указал в партитуре сам композитор, «более выражение чувств, чем изображение» [58]. Одно из наиболее «романтических» сочинений Бетховена, Шестая симфония стала источником вдохновения для многих романтиков [62]. Принципы построения[ править править код ] В. Моцарт , портрет кисти И. Эдлингера, 1790 год Классическая симфония, сложившаяся в последней четверти XVIII века, в том виде, как она представлена в творчестве венских классиков, обычно состоит из четырёх частей: 1-я часть — в быстром темпе аллегро , иногда предваряется небольшим медленным вступлением; пишется в сонатной форме ; 2-я часть — в медленном движении, в форме вариаций, рондо , рондо-сонаты сложной трёхчастной , реже в сонатной форме; 3-я часть — менуэт или скерцо , пишется обычно в сложной 3-частной форме; 4-я часть — в быстром темпе, в сонатной форме, в форме рондо или рондо-сонаты [50]. Во внешнем оформлении музыкального материала венской классической симфонии можно выделить несколько основных принципов.
Принцип структурной расчленённости присутствует и в самом делении симфонического цикла на несколько вполне самостоятельных частей, и в каждой его части. Так, в сонатном аллегро чётко очерчены границы внутренних разделов: экспозиции, разработки и репризы а в некоторых симфониях и интродукции , — и всех тематических партий. Менуэт, с его регулярно членящимися, завершёнными периодами и фразами, сам по себе является квинтэссенцией принципа расчленённости; в финальном рондо он проявляется в чередовании завершённых эпизодов и рефрена. Только в медленной части симфонии расчленённость может быть менее подчеркнута [63]. Принцип периодичности и симметрии — один из самых характерных признаков венской классической симфонии — проявляется в тенденции к симметричному расположению материала, к «окаймлению» или «обрамлению» например, две быстрые крайние части цикла как бы обрамляют более сдержанные 2-ю и 3-ю части , к строгой уравновешенности пропорций, порою выверенной с математической точностью, и периодической повторности — внутри каждой части [64]. Принцип контрастных противопоставлений включая смены темпа, тональностей, чередования тематизма в классической симфонии выражен не так ярко, как впоследствии у романтиков, обострявших противопоставление до полярной противоположности. Вместе с тем, пишет В. Конен , «контрастирующие, светотеневые приёмы извлекаются буквально из всех элементов музыкального тематизма, а также группировки материала» [65]. В сочетании с принципами расчлененности, периодичности и симметрии эта контрастность в классической симфонии образует характерный стилистический эффект [65].
Принцип танцевальной ритмической конструкции, унаследованный симфонией непосредственно от жанра оркестровой танцевальной сюиты, но опосредованно и от concerto grosso , проявляется не только в собственно танцевальных частях симфоний Гайдна и Моцарта — в менуэте придающем всему симфоническому циклу черты театральной «экспозиционности» и финале. Он присутствует и в том, что составляет главное отличие симфонической темы от оперной арии её интонационного прообраза : в ритмической структуре мелодики [66]. Людвиг ван Бетховен , портрет работы К. Штилера , 1820 год Все эти принципы своеобразно преломляются в творчестве Бетховена, которому уравновешенность ранних венских классиков была чужда. Более свободный, по сравнению с Гайдном и Моцартом, мелодический план, наложенный на традиционную гармоническую и структурную основу, смещение кульминации, подача контрастирующих элементов не в уравновешенном, светотеневом противопоставлении, а в гораздо более сложном, нередко асимметричном сочетании, в тесном переплетении и взаимонаслоении, отказ от менуэта в пользу скерцо — эти и другие особенности бетховенского симфонизма не отменяют присутствия и в его симфониях классического структурного фундамента; хотя и давали повод подвергать сомнению его принадлежность к стилю классицизма [67]. Конен отмечала в классической симфонии два различных по своему интонационному строю направления, из которых одно более непосредственно связано с сюитными традициями, другое — с увертюрными. Шуберта, и некоторые симфонии ранних венских и немецких романтиков, например «Итальянскую» и «Шотландскую» Ф. Мендельсона , более непосредственно связан с мелодическим строем народной и бытовой музыки [68]. Он менее индивидуален, чем тематизм симфоний увертюрной традиции, связанной с музыкальным театром, — именно во втором направлении полнее раскрываются особенности симфонии как жанра: все её части вступают в отношение оппозиции что отсутствует в сюите , и смысл каждой из них раскрывается в противопоставлении другой.
Для многих композиторов-романтиков отправной точкой стала Девятая симфония Бетховена, имеющая ряд отличий от классического канона: помимо того что первые три её части кажутся лишь прологом к финалу, Бетховен впервые поменял местами скерцо и медленную часть и впервые использовал в симфонии вокал [71] [72]. Основная статья: Симфонический оркестр С развитием симфонии изменение оркестрового мышления композиторов отразилось и на составе оркестра , прежде всего в отмирании группы basso continuo. В сочинениях композиторов мангеймской школы и в ранних симфониях Й. Гайдна клавишный инструмент , исполнявший функцию генерал-баса, встречался ещё достаточно часто хотя мангеймцы первые от него отказались , но постепенно возрастала роль собственно оркестровой гармонии, с которой аккомпанирующая функция органа или чембало клавесина вступила в противоречие; не только орган, но в конце концов и клавесин по своему тембру оказался чужд оркестровому звучанию [73]. То значение, которое симфония приобрела в музыкальной культуре классицизма, объясняется, пишет В. Конен, не в последнюю очередь, её театрально-драматическими связями — именно «увертюрным» направлением: в наиболее обобщённой, но при этом и самостоятельной форме, основанной на традициях австро-немецких инструментальных школ, в ней преломился образный строй музыкального театра эпохи Просвещения [75]. Бетховену, начиная с « Патетической », которая многим кажется слишком театральной, классическая симфония служила образцом и для фортепианных сонат — его «симфоний для фортепиано» [76]. Франц Шуберт , литография Й. Крихубера Свойственные бетховенскому стилю резкие смены темпа, драматизм, широта динамического диапазона и многозначность тем были восприняты композиторами- романтиками , для которых творчество Бетховена стало высшим критерием художественного совершенства [71].
Романтизм, зарождение которого принято связывать с разочарованием в результатах Великой французской революции и реакцией на идеологию Просвещения, в опере утвердился уже во втором десятилетии XIX века [77] , — написанная в 1822 году « Неоконченная симфония » Франца Шуберта , последнего венского классика, считается первым симфоническим произведением, в котором обозначились основные черты нового направления: её интимно-поэтическое настроение и напряжённый драматизм первой части открывали новый по сравнению с классической симфонией мир переживаний [78]. Чувствуя себя более уверенно в жанре песни- романса немецкой Lied , второстепенном для классиков, но расцветшем в эпоху романтизма, Шуберт и свои симфонии наполнял песенными темами, и каждая из них, как и сама песня, была связана с определённым переживанием [79].
Перро , Б. Фонтенель , А. Отход нового поколения музыкантов от старого контрапунктического стиля был подготовлен декларативными высказываниями Г. Телемана , И. Маттезона «Critica musica», Bd 1—2, 1722—1725 о важности мелодии как источника эмоционального воздействия на «сердце» слушателя. Образцом для выразительного исполнения объявлялось сольное пение в итальянской манере canto figurato , отсюда влияние итальянской оперы-сериа на все музыкальные жанры того времени, включая духовную музыку теоретически обосновано Маттезоном в его трактате «Der musicalische Patriot», 1728.
В самой опере-сериа проявилось стремление симфонизировать речитатив , сделать его аккомпанированным, драматизировать оркестровую партию Л. Винчи , И. Хассе, К. Граун , Н. Йоммелли , Т. Траэтта , что способствовало развитию автономного оркестра; оперная увертюра итал. Наиболее острая полемика по вопросам музыки и оперного искусства, связанная с антагонизмом «старого» барочного и «нового» классического стилей, развернулась во Франции в 1750-х гг. Перголези , исполненных силами итальянской труппы.
Её итогом стало рождение французской комической оперы как самостоятельного жанра, ставшего ведущим во французском музыкальном театре 18 в. Руссо , Ф. Филидор , П. Монсиньи , А. Восприняв от оперы-буффа ведущую драматургическую роль музыки и развитые оперные формы, композиторы — авторы французских комических опер, немецких и австрийских зингшпилей И. Хиллер , Й. Бенда , К. Нефе, И.
Про эпизоды как-то вообще не задумывалась. Хотя, раз Рапсодия, они же должны быть... Не заставляйте меня это снова слушать.
Р А П С О Д И Я
В жанре рапсодии писали многие композоторы. Особенно много рапсодий написано композиторами классического направления музыки. Наибольшей популярностью пользуются рапсодии Ференца Листа, написанные в стиле венгерских народных мотивов. Концерт Сюита Соната презентация, доклад. Содержание. 1. Циклические формы инструментальной музыки. Концерт Сюита Соната. 2. Слайд 2. 3. Сюита в переводе с французского означает— «ряд». В жанре рапсодии писали многие композоторы. Особенно много рапсодий написано композиторами классического направления музыки. Наибольшей популярностью пользуются рапсодии Ференца Листа, написанные в стиле венгерских народных мотивов. от итальянского глагола «sonare», что переводится как «звучать». 3. Термин «соната» появился в 16 веке, тогда сонатами назвали любую инструментальную музыку. Кончерто гроссо (итал. concerto grosso — «большой концерт», «большое соревнование») — инструментальный жанр в музыке, зародившийся в эпоху барокко, основывается на чередовании и противопоставлении звучания всего состава исполнителей и группы солистов.
Рапсодия в стиле блюз
| Жанры инструментальной музыки | СИМФОНИЕТТА – появились в XIX в. (итал. sinfonietta, уменьшит. от sinfonia) – жанр симфонической музыки, отличающийся от симфонии меньшим масштабом цикла и оркестровым составом (малый симфонический или камерный оркестр). |
| «Рапсодия в стиле блюз» Дж. Гершвина | Кончерто гроссо (итал. concerto grosso — «большой концерт», «большое соревнование») — инструментальный жанр в музыке, зародившийся в эпоху барокко, основывается на чередовании и противопоставлении звучания всего состава исполнителей и группы солистов. |
Циклические формы инструментальной музыки: концерт, сюита, соната
До-диез минор. Эта, наполненная красивым мелодизмом, виртуозная композиция, созданная в 1847 году, в данном жанре является самой исполняемой и знаменитой. Автор раскрасил её в национальный венгерский колорит, то есть представил в виде популярного народного танца, который называется «Чардаш». Произведение начинается с медленного вступления, напоминающего эпическое повествование, а далее следует зажигательная танцевальная часть, рисующая жизнерадостный национальный праздник. Данное весьма впечатляющее произведение, созданное автором для фортепиано и оркестра в 1924 году, является рапсодией в полном смысле этого слова.
Композиция, также имеющая подзаголовок «Голубая рапсодия», написана в свободном стиле, то есть она не ограничена жёсткими рамками музыкальной формы. Тематический материал произведения — это несколько контрастных мелодий, постоянно подвергающихся вариативным изменениям. Содержащая элементы американского джаза и европейской музыки, «Голубая рапсодия» колоритно наполнена блюзовыми интонациями. Рапсодия в стиле блюз Сергей Рахманинов «Рапсодия на тему Паганини».
Необычайно яркая и вдохновенная композиция, уникальной особенностью которой является то, что в её основу были положены не народные мелодии, как обычно принято в произведениях данного жанра, а знаменитый двадцать четвёртый «Каприс» великого скрипача Никколо Паганини и «Dies irae» - средневековая секвенция из католического богослужения. Рапсодия включает в себя двадцать четыре вариации, каждая из которых рисует определённый весьма эмоциональный образ. История рапсодии Начало истории зарождения музыкального произведения, которое в нынешнее время называется Рапсодия, отправляет нас в незапамятные времена, а именно Древнюю Грецию до нашей эры. В ту пору по дорогам этого античного государства странствовали певцы-сказители, которые именовались рапсодами.
Под звуки лиры или кифары они нараспев декламировали отрывки из увлекательных эпических поэм - творений великих греческих поэтов о подвигах отважных героев. Певцы-сказители соединяли разные произведения и исполняли их как единое сочинение, которое называли Рапсодией. Проходили столетия, бродячие певцы-рапсоды канули в вечность, а их место заняли другие странствующие артисты. В каждой стране в разные времена их именовали по-своему.
К примеру, по дорогам Европы в Средние века, развлекая народ, путешествовали трубадуры и труверы. Важно напомнить, что все бродячие артисты внесли достаточно ценный вклад в формирование различных жанров современных видов искусств, в том числе и музыкального. Но так случилось, что в XVI веке про рапсодов и их творчество вдруг вспомнили вновь. Литераторы замыслили объединять в одно произведение разные поэтические жанры и особенно те, которые характеризовались свободным построением.
Гуно, Ж. Бизе, Ж. Массне , русская М. Глинка, А.
Даргомыжский, композиторы «Могучей кучки», П. Чайковский, С. Одновременно с романсом классическим развивался и романс бытовой, который чаще всего исполнялся певцами-любителями, а стилистически был очень близок к песне. Особенно ярко взаимодействие этих двух ветвей романса видно на примере романса русского.
Следует отметить, что творчество великих мастеров романса в музыке нередко развивалось в тесной связи с поэтическими направлениями. В истории искусства имена Ф. Шуберта и И. Гёте, Р.
Шумана и Г. Гейне, М. Глинки и А. Пушкина, П.
Чайковского и А. Толстого, Н. Римского-Корсакова и А. Майкова стоят рядом, а с русским романсом особенно тесно связано творчество «солнца русской поэзии» А.
Русский романс как отдельный жанр формируется в первой половине XIX века, на волне роста популярности и развития такого направления, как романтизм. Основной вклад в его становление внесли А. Алябьев, А. Варламов и А.
Нередко в русском романсе обыгрываются цыганские мотивы. Постепенно складывается несколько поджанров русского романса, а его расцвет как отдельного жанра приходится на начало ХХ века, и с ним связывают творчество таких талантливых и самобытных исполнителей, как А. Вертинский и А. Виды русского романса классический — написанный профессиональными композиторами; городской бытовой — авторский по способу создания, но фольклорный по способу бытования, прототип русского шансона; цыганский — сформировался на основе русских народных песен и бытовых романсов, имеет своеобразную манеру исполнения певцами-солистами и гитаристами-аккомпаниаторами хоров петербургских и московских цыган Кроме того существуют: жестокий романс — поджанр русской народной песни, расцвет пришелся на конец XIX — начало XX века, характерна слезливая сентиментальность, надрыв, мелодраматизм и трагическая концовка; казачий — казачьи авторские песни, зародились на Дону Совсем другим путем шло развитие французского шансона.
Как мы уже сказали, не стоит путать глубоко лирическую, возвышенную и всегда наполненную высоким поэтическим смыслом песню французских шансонье, ведущую свою историю от средневековых труверов, с песней блатной, родственницей «арестантских», «каторжных», «кандальных» песен середины XIX — начала XX веков, а если смотреть глубже, то и наследницей «разбойных» песен, чья тематика так близка раннему негритянскому блюзу — тяжкая доля угнетенных и несбыточная мечта о свободе. Шансон фр. Chanson — песня — французская эстрадная песня в стиле кабаре, перенявшая традиции светских песен французских труверов. Здесь не только танцевали канкан, но и исполняли короткие скетчи, разыгрывали различные сценки, а также пели песни, зачастую исполняемые авторами, где музыка была неразрывно связана с текстом и сюжетом.
Именно шансон становится воплощением пылкого галльского характера — взрывного и романтичного, язвительного и в то же время чуткого ко всякой несправедливости. Первыми шансонье исполнителями шансона в современном значении этого слова были Аристид Брюан и Мистенгет. Афиши к выступлениям Брюана, едко обличавшего буржуазные ценности своего времени, писал сам великий Тулуз-Лотрек! А Мистенгет, снимавшаяся в кино с Габеном и десять лет выступавшая со своим любовником Морисом Шевалье, придумала головные уборы с перьями, которыми славится теперь на весь мир Мулен Руж.
Предвоенный Париж был полон джазовых мотивов, исполняемых Шарлем Трене и Джонни Хессом, после войны комедийность и шутки отходят на второй план, уступая место серьезному диалогу между певцом и слушателем. Это эпоха прозаика и джазмена Бориса Виана, бельгийца Жака Бреля, большого поэта с голосом, сразу берущим за душу, Жоржа Брассенса, сочинявшего песни не только на свои, но и на чужие стихи, и чьи! К середине ХХ века, когда во французской музыке окончательно складываются два основных направления, таких исполнителей назовут шансонье chansonnier. Второе направление — эстрадная песня, которую исполняют певцы chanteur , и самыми известными представителями этого течения становятся Ив Монтан, Мирей Матье, Джо Дассен, Далида, Патрисия Каас, Лара Фабиан, Милен Фармер и многие другие.
Но грань между французским шансоном и эстрадой была и остается довольно условной, а традиции его продолжают развиваться, постепенно втягивая в свой круг и рок Джонни Холлидей , и электронику Бенжамен Бьолэ , и даже панк-рок Мано Соло. Далекий уже от нас XVIII век, густая южная ночь в долине реки Миссисипи, у бедной хибары, вокруг костра — горстка негров, напевающих мелодию, от которой веет тоской, одиночеством и страданием. Ритмы ударных и переливы духовых, неповторимые, которые не спутать ни с чем, наследие предков, чей прах остался по ту сторону океана, в Африке... Так зарождался блюз.
Вывезенные с Черного континента рабы, могли ли они петь о веселье и радости? Что радостного было в их жизни, что ждало их в будущем? Blue devils — печаль, депрессия, тоска, так переводится это выражение с английского, от него и получила свое название музыка жанра блюз, уникальное смешение традиционных негритянских песен, религиозных песнопений Африки и библейских спиричуэлс. Но с отменой рабства блюз не исчез.
Напротив, бывшие рабы, по-прежнему не имевшие никакой уверенности в завтрашнем дне, хлынули в города, распространяя «черную» музыку среди белых. Один человек с гитарой против всего мира» Эрик Клэптон В 1912 году выходит первая пластинка с блюзовыми записями, к этому времени относится и само название стиля. Классический блюз представлял собой импровизацию, проследить можно было только основу композиции, вместе же голос, текст и музыка каждый раз составляли новый, неповторимый узор. Знаковой фигурой классики блюза навсегда останется Роберт Джонсон с культовой композицией «Crossroad» «Перекресток» , позже увековеченной не менее культовым, одноименным фильмом Уолтера Хилла 1986 года.
Топ пяти блюзменов всех времен: Би Би Кинг B. Это навсегда меняет облик блюза, в него все больше проникают джазовые ритмы, да и название становится другим — ритм-энд-блюз. И хотя классический блюз никогда больше не будет пользоваться такой популярностью, но останется жить в творчестве этих гениев, которые, в свою очередь, оказали огромное влияние на рок-музыкантов последующих поколений. Знаменитый блюз «Cross Road Blues» более известная как «Crossroads» — одна из самых известных песен Роберта Джонсона, выпущенная в 1937 году.
Позже на эту композицию было создано множество каверов. Версия группы Cream, записанная в 1968 году вместе с Эриком Клэптоном, попала в список 500 величайших песен всех времен по версии журнала «Rolling Stone» Еще одним жанром, без которого мировая музыкальная палитра потеряла бы изрядную долю красок, — это джаз, смесь африканского фольклора и европейской музыкальной традиции. Музыка, появившаяся в начале ХХ века, взяла от первого прародителя импровизацию, ритмичность, многократное повторение основного мотива, а от второго — гармонию и равно правомерное звучание в миноре и мажоре. Никто не скажет, где и когда точно родился джаз, как и откуда именно взялся термин, обозначающий его, но центром возникновения классического направления джаза считается Новый Орлеан, где в 1917 году коллективом Original Dixieland Jazz Band была записана первая джазовая грампластинка.
Есть несколько признаков, отличающих джаз от других музыкальных направлений,— это полиритмия, синкопированные ритмы, ритмичная пульсация контрабаса и ударных, свинг и преднамеренное отклонение от него, использование инструментов, имитирующих речь человека, своеобразный диалог между этими инструментами и специфический вокал, который интонацией напоминает разговор. Чарли Паркер, по прозвищу Птаха 29 августа 1920 года — 12 марта 1955 года — американский джазовый саксофонист и композитор. Наравне с Луи Армстронгом и Дюком Эллингтоном считается одним из столпов джаза Каждое десятилетие американского джаза отмечено рождением нового стиля. Двадцатые годы — это биг-бэнды ансамбли из трех групп инструментов: саксофоны и кларнеты, трубы и тромбоны «медные» и ритм-секция фортепиано, гитара, контрабас, ударные.
Последний уже в 40-е годы обратится к более крупным джазовым формам на основе негритянского и латиноамериканского фольклора. Тридцатые не только рождают свинг, но и привносят в джаз танцевальность, эстрадность, песенность, направление стремительно коммерциализируется. В противовес этому очень скоро возникает стиль «бибоп», открывающий современную эпоху джаза.
Оркестранты играли, словно выворачивая себя наизнанку от эмоций, искренне, от души. Дирижер Пол Уитмэн не замечал, что по его шекам катятся слезы восторга.
Гершвин играл на фортепиано неподражаемо. Отзвучали последние звуки «Рапсодии». Зал захлебнулся бурей оваций! Гершвин Как понять название произведения - «Рапсодия в блюзовых тонах»? Слово «blue» в английском языке имеет несколько значений: лирическая песня блюз , голубой цвет — цвет грусти, печали, настроений, типичных для негритянских блюзов.
Гершвин считал, что его «Рапсодия» написана в джазовом стиле, но.
История музыки Музыкальная культура классицизма: эстетические вопросы, венские музыкальные классики, основные жанры В музыке, как ни в одном другом виде искусства, понятие «классика» имеет неоднозначное наполнение. Всё относительно, и любые вчерашние шлягеры, выдержавшие проверку временем, — будь то шедевры Баха, Моцарта, Шопена, Прокофьева или, допустим, The Beatles — можно отнести к классическим произведениям. Да простят меня любители старинной музыки за легкомысленное слово «шлягер», но ведь и великие композиторы когда-то писали для своих современников популярную музыку, вовсе не замахиваясь на вечность. К чему всё это? К тому, что важно разделять широкое понятие классической музыки и классицизм, как направление в музыкальном искусстве. Эпоха классицизма Классицизм, сменивший через несколько этапов Эпоху Возрождения, сложился во Франции в конце XVII века, отразив в своём искусстве отчасти серьёзный подъём абсолютной монархии, отчасти смену мировоззрения с религиозного на светское.
На смену пышности и высокопарности барокко, непосредственного предшественника классицизма, пришёл стиль, основанный на простоте и естественности. Эстетические установки классицизма В основу искусства классицизма положен культ разума — рационализм, стройность и логичность. Название «классицизм» по происхождению связывают со словом из латинского языка — classicus, что означает — «образцовый». Идеальным образцом для художников этого направления являлась античная эстетика с её стройной логикой и гармонией. В классицизме разум преобладает над чувствами, индивидуализм не приветствуется, а в любом явлении первостепенную важность обретают общие, типологические черты. Каждое произведение искусства должно строиться по строгим канонам. Требованием эпохи классицизма становится уравновешенность пропорций, исключающая всё лишнее, второстепенное.
Классицизму присуще строгое деление на «высокие» и «низкие» жанры.
Циклические формы инструментальной музыки. Концерт Сюита Соната презентация, доклад
всё будет и спорно, и верно одновременно. По жанру это концерт для фортепиано с оркестром (одночастный), а по стилю - джазовая композиция. Рапсодия — инструментальное или вокальное произведение, написанное в свободном, «импровизационном» стиле. Для рапсодии характерно чередование разнохарактерных эпизодов на народно-песенном материале. scaier. Музыка. 4,7(35 оценок). 15. Дуэт-вокальный номер,который исполняется вдвоем.
«Рапсодия в стиле блюз» Дж. Гершвина
Рапсодией может называться инструментальное (изредка вокальное – например, у Брамса) сочинение, написанное в свободном, импровизационном, эпическом стиле, иногда включающее подлинные народные мотивы (Венгерские рапсодии Листа, Рапсодия в стиле блюз Гершвина). сюита соната инструментальный, 24737021, Существует всего четыре музыкальных направления (народная музыка, духовная. СИМФОНИЕТТА – появились в XIX в. (итал. sinfonietta, уменьшит. от sinfonia) – жанр симфонической музыки, отличающийся от симфонии меньшим масштабом цикла и оркестровым составом (малый симфонический или камерный оркестр). Франц Лист — венгерский композитор, один из основоположников жанра рапсодии. Его самая известная работа в этом жанре — «Венгерская рапсодия № 2». Она стала визитной карточкой Листа и олицетворением венгерской музыкальной культуры. Послушайте «Рапсодию в блюзовых тонах» Гершвина и постарайтесь на слух определить главные темы произведения. Какой жанр классической музыки положен в основу «Рапсодии» — сюита, соната, инструментальный концерт? В этот период появляются такие инструментальные жанры, как кончерто гроссо (concerto grosso – большой концерт), органная прелюдия и фуга. В них тоже проявляются черты барокко, полифоническая манера письма – одна из самых характерных особенностей этого стиля.
Жанры музыкальных произведений
В первую очередь следует отметить вокальные жанры, в основе которых лежит переплетение голоса с лиричностью и эмоциональностью слова. Именно вокальная музыка дала развитие инструментальным жанрам. Таким образом, вокальная музыка представляет собой музыку, в которой главную роль исполняет голос, в сопровождении инструментов или "а капелла". Песня, романс, опера, оратория, кантата, и даже хор - все это вокальная музыка. Не трудно догадаться, что самой простой и известной формой вокальной музыки является песня. Именно в песне лирический текст соединяется с незамысловатой мелодией. Нередко песня идет в паре с оркестикой или мимикой.
Отличительной чертой песни является неоднократное повторение напева, причем главная мелодия одна и та же, а окраску ей придает меняющийся текст. Также на выразительность мелодии влияет аккомпанемент. Наиболее простые аккорды аккомпанемента способны усилить красочность и образность текста. Так, например, в песне Глинки "Жаворонок" присутствует и звонкий птичий щебет, и искусные переливчатые трели. А в аккомпанементе музыкальной баллады Шуберта "Лесной царь" явно слышится скачка коня. Вяльцева Выразительным средством самой песни являются ритм, звук и мелодия, т.
Плевицкая Наибольшую популярность в XIX в. Само определение "романс" появилось в средневековой Испании и обозначало оно не духовную светскую песню на испанском языке. Как правило, это небольшое музыкальное сочинение на стихи любовно-романтического характера. Но все-таки романс зародился именно из песни. Настроение этого жанра держат и слова, и музыка. Расцвет романса в России наступил в начале XX в.
Русские романсы были наполнены цыганскими мотивами. Наиболее прославленными исполнителями жанра были А. Вертинский, А. Вяльцева, Н. Плевицкая и др. Вертинский Несколько музыкальных произведений, концертов или альбомов, одинаковых по смыслу и форме, объединенных по стилю и характеру, идее и музыкальной тематике составляют музыкальный цикл.
Например, фортепианный цикл П. Чайковского "Времена года", вокальный цикл Людвига ван Бетховена "К далекой возлюбленной".
Цели урока: 1. Образовательная: напомнить учащимся историю зарождения инструментального концерта, закрепить представления о различных видах концерта, расширить представление о программной музыке; 2. Развивающая: продолжить знакомить с лучшими образцами музыки жанра инструментального концерта; 3. Воспитательная: воспитать эмоциональную отзывчивость и восприятие лучших образцов классической музыки.
Задачи урока: 1. Познакомить обучающихся с жанром инструментальной музыки «Рапсодия»; 2. Воспитать интерес и любовь к музыке джазового характера. Оборудование: учебник Г. Сергеевой, Е. Критской «Музыка» для 7 класса, аудиозапись, видеофрагменты, презентация, портрет композитора.
Ход урока. Организационный момент. Сейчас прозвучит отрывок из музыкального произведения, вы должны будете мне назвать это произведение и вспомнить композитора. Сегодня мы познакомимся еще с одним произведением Гершвина, но сначала вспомним тему прошлого урока. Концерт для скрипки с оркестром Арама Хачатуряна. Концерт обычно состоит из трех частей.
Зародился в эпоху барокко.
Сергеева, Е. Дополнительная литература 1. Иллюстрированный словарь иностранных слов. Теоретический материал для самостоятельного изучения Концерт в переводе с латинского — состязание — музыкальный жанр, в основе которого лежит противопоставление солиста или солистов всему оркестру. Впервые слово «концерт» было применено в XVI веке в Италии. В концертах первого типа небольшая группа инструментов противопоставлялась большей группе. Такие концерты назывались кончерто гроссо. Автором концертов такого типа является итальянский композитор Арканджело Корелли 1653-1713.
Второй тип инструментального концерта — для солирующего инструмента с оркестром. Он состоял из трёх частей. Первая, быстрая, почти всегда имела форму рондо. Вторая — медленная, сочинялась в свободной форме. В третьей части — финале, композиторы часто возвращались к форме рондо. Антонио Вивальди 1678-1741 , один из самых знаменитых и плодовитых композиторов итальянского барокко, написал около 500 сольных инструментальных концертов. Вершиной творчества Антонио Вивальди являются четыре концерта для скрипки со струнным оркестром «Зима», «Весна», «Лето», «Осень». Они объединены в один цикл «Времена года». Содержание каждого из концертов раскрывают сонеты, написанные самим композитором.
Сонет — это лирическое стихотворение из 14 строк. В XIX веке соединение музыки со словом, с определённым сюжетом, стало основой программной музыки.
Попав в город своих грез совсем юным, Гоголь испытал большие трудности, делая первые шаги на пути к писательству. После щедрой, солнечной Украины Петербург показался ему серым, тяжелым и мрачным городом, равнодушно взирающим на копошащихся в нем людей. Через несколько лет у Гоголя уже сформировалось полное впечатление о Петербурге, с его тяжелой атмосферой, но величие города словно гипнотизировало писателя. Великий Петербург стал важным мотивом в творчестве Гоголя. Упоминания о нем есть почти в каждом произведении писателя: в «Вечерах на хуторе близ Диканьки», в комедии «Ревизор», в «Повести о капитане Копейкине» из «Мертвых душ», в цикле петербургских повестей.
Ярко и красочно выглядит Петербург в повести «Ночь перед Рождеством»: «…вдруг заблестел перед Вакулой Петербург… Боже мой! Стук, гром, блеск; по обеим сторонам громоздятся четырехэтажные стены. Это описание Петербурга передает мечты юного Гоголя о городе-сказке с невиданными чудесами, с роскошными дворцами и садами, где живет сама царица, исполняющая желания. У Гоголя Петербург предстает как фантасмагорический, призрачный город, где все зыбко и странно смещено. Причудливо переплетаются реальное и фантастическое, величественное и низкое, прекрасное и безобразное.