Инструментальный концерт возник на рубеже XVI-XVII вв. как один из жанров церковной музыки. Инструментальный концерт – это произведение, включающее в себя несколько частей, количество которых может варьироваться от одной до четырёх. Инструментальный концерт позволяет слушателю наслаждаться виртуозностью и техническими возможностями солиста, а также наслаждаться слаженным взаимодействием инструментов оркестра. На этой странице вы могли узнать, что такое «инструментальный концерт», его лексическое значение. Концерты А. Л. Репникова для баяна являются обязательными произв. программ Всерос. конкурса игры на нар. инстр-тах и Всесоюз. конкурса баянистов, звучат на междунар. муз.
Что такое инструментальный концерт в музыке
Инструментальный концерт — это выступление музыкантов, которые исполняют произведения, не предусматривающие вокальных партий. Инструментальный концерт – это произведение, включающее в себя несколько частей, количество которых может варьироваться от одной до четырёх. это музыкальное произведение для инструментального исполнения, состоящее из Антонио Вивальди – скрипач-виртуоз, дирижер и педагог, один из Цикл «Времена года» Вершина творчества Вивальди. Инструментальный концерт никогда не перестает привлекать и захватывать слушателей со своей красотой, эмоциональностью и виртуозностью исполнения.
Инструментальный концерт
Вдруг набегают бархатные тучи, Как благовест звучит небесный гром. Но быстро иссякает вихрь могучий, И щебет вновь плывет в пространстве голубом. Цветов дыханье, шелест трав, Полна природа грез. Спит пастушок, за день устав, И тявкает чуть слышно пес. Пастушеской волынки звук Разносится гудящий над лугами, И нимф танцующих волшебный круг Весны расцвечен дивными лучами.
Они предлагают солистам возможность проявить свое мастерство и творческие идеи, а также позволяют насладиться прекрасными звуковыми комбинациями и интересными музыкальными идеями композиторов. Концерт обычно состоит из трех частей: быстрой и виртуозной открытой части, медленной и лирической средней части, а также заключительной части в стремительном или зажигательном темпе. Жанр инструментального концерта имеет богатую историю, начиная с эпохи барокко и до наших дней. В разные периоды истории музыкальные инструменты и оркестры развивались, что влияло на звучание и структуру инструментальных концертов. Одной из особенностей инструментального концерта является возможность демонстрации виртуозного мастерства исполнителями на различных инструментах. Исполнители могут проявить свою технику, экспрессивность и музыкальность в показательных сольных партиях. Кроме того, инструментальные концерты позволяют создать насыщенные и красочные звуковые образы при помощи оркестрового звучания. Инструментальный концерт — это музыкальная форма, которая завораживает слушателей своими эмоциональными и неповторимыми звучаниями. Он существует в разнообразных стилях и направлениях, предлагая слушателям уникальные музыкальные впечатления.
Клавесинцементировал общее звучание, приводил его к некому единству, в нем поддерживался, удваивался басовый голос и заполнялся «средний этаж» музыкального пространства. Причем такое заполнение партитуры средними голосами, обычно, строго не ограничивалось, а предоставлялось инициативе исполнителя, он же был в роли руководителя ансамбля. В концертном составе инструментов сочетались стабильные участники и привлекавшиеся от случая к случаю. Помимо этого, в состав концертного ансамбля могли включаться духовые инструменты флейты, гобой, фагот, труба , до формирования самостоятельных групп деревянных и медных духовных инструментов было еще далеко. Практически не применялись в инструментальных концертах XVII в. И все же главное заключалась не столько во внешних свойствах концертной музыки XVII в, сколько в её внутренней природе, отражавшей особенности интонационно-образного строя, характерного для музыкальногосознания тогдашних европейцев. А это сознание определялось в основном интонациями бытовой песенной музыки, и в особенности культурой танца. Цепные последовательности старинных танцев, такие как аллеманда, куранта, сарабанда, жига, гавот, менуэт выливались в многочисленные сюиты. Поначалу и новый жанр инструментального концерта во многом смыкался с обычной танцевальной сюитой. Великий мастер инструментального концерта XVII века Арканджелло Корелли 1653-1713 стал создателем первых классических образцов жанра Соnсегtоgгоssо большого концерта. Его концерты, как правило, многочастны, и отдельные части нередко обозначены названиями старинных танцев, но чаще композитор ограничивается лишь указаниями темпов. При этом явно заметно стремление чередовать музыку в быстрых и медленных темпах. И такое противостояние быстрого движения, где открывается возможность солистам показать свою виртуозность, проникновенной кантилене, когда игра на инструменте уподобляется пению человеческого голоса, стало родовой приметой концертного жанра вплоть до современных изменений. В творчестве А. Корелли жанр Concertogrosso синтезирует главные достижения эпохи в области музыки: развивается процесс кристаллизации формы быстро-медленно-быстро, объединяются элементы инструментальной сонаты и сюиты танцевальные и нетанцевальные части. В музыке великого итальянского композитора Антонио Вивальди 1677-1741 сложилась типичная структура инструментального концерта, состоящего из трех частей. Крайние идут в быстром темпе, а средняя часть в медленном. Это трехчастное строение концертного цикла по схеме быстро-медленно-быстро движение и покой, заключенные в симметрию формы сохранилось до наших дней. Но эта структурная схема значительно усложнилась из-за внутренних построений отдельных частей, хотя и восходящих к песенно-танцевальным истокам, но не сводимым к ним. Поводом к такому усложнению стало желание музыкантов — солистов показать свое виртуозное мастерство, совершенное владение инструментом. В недрах инструментального ансамбля возникает концертный диалог. Неизбежны моменты, когда солист выступает на первый план, а остальные участники ансамбля ограничиваются поддержкой солиста и вновьинициативу перехватывают музыканты, противостоящие солистам. Так возникло чередование группы солистов и остальной массы ансамбля во главе с клавесином. Чередованиеsоlо и tutti все стало родовой приметой концертного аллегро. При этом солирующая роль может быть предоставлена небольшой группе инструментов, что характерно для Concertogrosso. Когда же солирует один инструмент,преимущественно скрипка, тогда возникает сольный концерт, в утверждении которого решающую роль сыграл именно А. Вивальди концерт приобрел новое качество, иной внутренний смысл. Свыше 450 концертов предоставляютмузыкантам возможность блеснуть, показать свое владение инструментом. Но за блестящей поверхностью скрыты более глубокие движения музыкальной мысли, композиционная завершенность концертной формы. Выражаются эти свойства в соотношении ключевых, ведущих музыкальных мыслей, обладающих относительной законченностью, легко узнаваемых, и более нейтральных общих форм музыкального движения. Именно поэтому мы и способны отделить главное от второстепенного, ведущие темы-мелодии от музыки, развивающей отдельные обороты такой мелодии. Можно выделить конструктивные опоры, на которых держится старинная концертная форма. Периодически звучащая тема в окружении подводящей к ней связующей музыки, создает отдельные разделы. Их соотношение выстраивает логику музыкальной формы: возникает своеобразная цикличность с возвратом к главной мысли.
Начала развиваться практика публичных концертов, куда пускали любого желающего за определенную плату. Такая практика способствовала утверждению инструментов значительной силы и яркости звучания и обусловила обращение к сравнительно многочисленным объединениям музыкантов, собравшихся для совместной игры. Надо заметить, что оркестра в современном понимании слова тогда еще не было, но уже тогда сложились некоторые формы сочетания инструментов, отражавшие определенные предпочтения. Так ядром инструментального концерта XVII века являлась струнная группа, гделидером была скрипка представленная двумя музыкантами , альт, виолончель и контрабас. Отсюда было два пути развития состава: сокращения до четырех инструменталистов струнный квартет и расширение за счет добавления музыкантов ко всем партиям квартета струнный оркестр. Но в концертных ансамблях XVII в. Речь идет об обязательном участии так называемой партии continuo, поручавшейся клавесину. Клавесинцементировал общее звучание, приводил его к некому единству, в нем поддерживался, удваивался басовый голос и заполнялся «средний этаж» музыкального пространства. Причем такое заполнение партитуры средними голосами, обычно, строго не ограничивалось, а предоставлялось инициативе исполнителя, он же был в роли руководителя ансамбля. В концертном составе инструментов сочетались стабильные участники и привлекавшиеся от случая к случаю. Помимо этого, в состав концертного ансамбля могли включаться духовые инструменты флейты, гобой, фагот, труба , до формирования самостоятельных групп деревянных и медных духовных инструментов было еще далеко. Практически не применялись в инструментальных концертах XVII в. И все же главное заключалась не столько во внешних свойствах концертной музыки XVII в, сколько в её внутренней природе, отражавшей особенности интонационно-образного строя, характерного для музыкальногосознания тогдашних европейцев. А это сознание определялось в основном интонациями бытовой песенной музыки, и в особенности культурой танца. Цепные последовательности старинных танцев, такие как аллеманда, куранта, сарабанда, жига, гавот, менуэт выливались в многочисленные сюиты. Поначалу и новый жанр инструментального концерта во многом смыкался с обычной танцевальной сюитой. Великий мастер инструментального концерта XVII века Арканджелло Корелли 1653-1713 стал создателем первых классических образцов жанра Соnсегtоgгоssо большого концерта. Его концерты, как правило, многочастны, и отдельные части нередко обозначены названиями старинных танцев, но чаще композитор ограничивается лишь указаниями темпов. При этом явно заметно стремление чередовать музыку в быстрых и медленных темпах. И такое противостояние быстрого движения, где открывается возможность солистам показать свою виртуозность, проникновенной кантилене, когда игра на инструменте уподобляется пению человеческого голоса, стало родовой приметой концертного жанра вплоть до современных изменений. В творчестве А. Корелли жанр Concertogrosso синтезирует главные достижения эпохи в области музыки: развивается процесс кристаллизации формы быстро-медленно-быстро, объединяются элементы инструментальной сонаты и сюиты танцевальные и нетанцевальные части. В музыке великого итальянского композитора Антонио Вивальди 1677-1741 сложилась типичная структура инструментального концерта, состоящего из трех частей. Крайние идут в быстром темпе, а средняя часть в медленном. Это трехчастное строение концертного цикла по схеме быстро-медленно-быстро движение и покой, заключенные в симметрию формы сохранилось до наших дней. Но эта структурная схема значительно усложнилась из-за внутренних построений отдельных частей, хотя и восходящих к песенно-танцевальным истокам, но не сводимым к ним. Поводом к такому усложнению стало желание музыкантов — солистов показать свое виртуозное мастерство, совершенное владение инструментом. В недрах инструментального ансамбля возникает концертный диалог. Неизбежны моменты, когда солист выступает на первый план, а остальные участники ансамбля ограничиваются поддержкой солиста и вновьинициативу перехватывают музыканты, противостоящие солистам. Так возникло чередование группы солистов и остальной массы ансамбля во главе с клавесином. Чередованиеsоlо и tutti все стало родовой приметой концертного аллегро. При этом солирующая роль может быть предоставлена небольшой группе инструментов, что характерно для Concertogrosso. Когда же солирует один инструмент,преимущественно скрипка, тогда возникает сольный концерт, в утверждении которого решающую роль сыграл именно А. Вивальди концерт приобрел новое качество, иной внутренний смысл.
Инструментальный концерт это кратко
Морозовым в статье "Проблемы европейского барокко". Риторика сложилась в ораторской практике Древней Греции и была изложена в трактатах Аристотеля, а затем Цицерона. Важное место в риторике отводилось, во-первых, "locitopici" - " общим местам ", которые помогали оратору находить, разрабатывать тему и излагать ее ясно и убедительно, поучительно, приятно и трогательно, и, во-вторых, "теории стилей", согласно которой характер речи менялся в зависимости от места, предмета, состава аудитории и т. Для музыкантов эпохи барокко locitopici стали сводом выразительных средств их искусства, способом объективировать индивидуальное чувство как общеизвестное и типичное. А категория "стиля" помогала осмыслить многообразие жанров и форм нового времени, вносила в музыкальную эстетику критерии историзма нередко под прикрытием словечка "мода" , объясняла разницу между музыкой разных наций, выделяла в творчестве крупнейших композиторов эпохи индивидуальные черты, отражала формирование исполнительских школ. Эти медленные части состоят всего лишь из нескольких тактов или приближаются к инструментальному ариозо, строятся на сплошной пульсации аккордов piano, с выразительными задержаниями или на имитации, подчас даже включают несколько самостоятельных разделов, отчлененных цезурами. Быстрые части церковной сонаты - обычно фуги или более свободные концертирующие построения с элементами имитации, позднее в таких Allegrо могут соединяться фуга и концертная форма. В камерной сонате, как и в оркестровой или клавирной сюите, части в основном тонально замкнуты и структурно завершены, в их формах можно проследить дальнейшее развитие элементарной двух- и трехчастности. Тематизм курант, а особенно сарабанд и гавотов обычно гомофонный, нередко симметричный; заметны рудименты сонатной формы. Напротив, аллеманды и жиги чаще движутся без остановок и повторений, в аллеманде обычны полифонические элементы, жига нередко пронизана духом концертирования. Сонаты dachiesa и dacamera не связаны строгой композиционной схемой.
Все камерные концерты начинаются с прелюдии, за которой следуют танцевальные пьесы, лишь изредка "замещенные" медленными вступлениями или концертирующими Allegrо. Церковные концерты более торжественны и серьезны, однако в их темах то и дело слышатся ритмы жиги, гавота или менуэта. Немалую путаницу в жанровые подразделения начала XVIII века вносит так называемый камерный концерт, который ничего общего не имел с сюитообразной сонатой dacamera и, по мнению исследователей, зародился как раз не в камерной, а в церковной музыке болонской школы. Речь идет о современнике и "двойнике" так называемой итальянской увертюры - трехчастном концерте Торелли, Альбинони и Вивальди, хрестоматийное описание которого оставил нам И. Первая часть "камерного концерта" сочинялась обычно в четырехдольном метре, в концертной форме; ее ритурнель должен был отличаться пышностью и полифоническим богатством; в дальнейшем требовался постоянный контраст блестящих, героических эпизодов с лирическими. Вторая, медленная часть предназначалась для возбуждения и успокоения страстей, контрастировала первой в метре и тональности одноименный минор, тональности первой степени родства, минорная доминанта в мажоре и допускала определенное количество украшений в партии солиста, которой подчинялись все остальные голоса. Наконец, третья часть - снова быстрая, но абсолютно не похожая на первую: она гораздо менее серьезна, часто танцевальная, в трехдольном метре; ее ритурнель краток и полон огня, но не лишен некоторой кокетливости, общий характер - оживленный, шутливый; вместо солидной полифонической разработки первой части здесь легкий гомофонный аккомпанемент. Кванц называет даже оптимальную продолжительность такого концерта: первая часть - 5 минут, вторая - 5-6 минут, третья - 3-4 минуты. Из всех циклов в музыке барокко трехчастный был наиболее устойчивой и замкнутой в образном плане формой. Однако даже "отец" этой формы Вивальди зачастую варьирует жанровые типы отдельных частей.
Так, например, в двухорном "дрезденском" концерте A-dur в собрании сочинений Вивальди под редакцией Ф. А в Восьмом концерте из тома XI собрания Малипьеро третья часть, в отличие от описания Кванца, - фуга. Нередко к трехчастному циклу как бы присоединяются части, заимствованные из сюиты, церковной сонаты или оперной увертюры. А в Скрипичном концерте F-dur Г. Телемана за ритурнельной формой первой части следует типично сюитное продолжение: корсикана, allegrezza "веселость" , скерцо, рондо, полонез и менуэт. Таким образом, можно отметить повышенное значение "импровизационности". Между тем Кванц, как и другие тогдашние теоретики, считал одной из важнейших черт concerto grosso "ловкие смешения имитаций в концертирующих голосах", так, чтобы слух привлекал то один, то другой инструмент, но при этом все солисты оставались бы равноправными. Следовательно, уже во время Корелли concerto grosso подвергается воздействию своих собратьев - сольного и рипьенного без солистов концертов. В свою очередь в сольном концерте подчас выделяются дополнительные солисты из оркестра, например в первой части концерта "Весна" ор. Для этого жанра характерно смешение различных концертирующих инструментов числом от двух до восьми и даже более.
Соотечественник Кванца, Маттезон считал число партий в concerto grosso чрезмерным и уподоблял такие концерты столу, накрытому не для того, чтобы утолить голод, а ради пышности и импозантности. И Кванц, и Маттезон исходили из немецкой традиции concertogrosso. Любовь немцев к смешанным составам в этом жанре Шеринг связывал с традициями исполнительства на духовых инструментах: еще в средневековой Германии существовал цех Stadtpfeifer городских музыкантов , игравших в церквах, на торжественных церемониях, на свадьбах, а также подававших разные сигналы с крепостных или ратушных башен. Духовое concertino, по словам Шеринга, появляется очень рано, почти одновременно со струнным. Его наиболее популярной моделью также было трио два гобоя и "бас" унисонных фаготов. Иногда гобои заменялись флейтами. Широкое распространение подобных составов вскоре появятся также две трубы с "басом" литавр приписывают не только их акустическим достоинствам и сходству со струнным трио, но и авторитету Люлли, который в 70-х годах XVII века перенес их из французских военных оркестров в оперу. Сопоставления трех- и пятиголосия - чисто динамические, а не тембровые- превосходно организуют и членят его формы.
Таковы, например, Concerti ecclesiastici для двойного хора Адриано Банкьери [1]. Сочинения такого рода могли именоваться как концертами concerti , так и мотетами motetti ; позже И. Бах называл концертами свои полифонические кантаты [1]. Наиболее раннее использование термина «концерт» для обозначения музыкального произведения датируется 1587 годом, когда был издан сборник вокально-инструментальной музыки Concerti… a 6-16 voci венецианских композиторов Андреа и Джованни Габриели [3]. Представители венецианской школы широко применяли в духовном концерте инструментальное сопровождение, таковы, в частности, написанные в 1602—1611 годах для 1—4-голосного пения с цифровым басом «Сто духовных концертов» Cento concerti ecclesiastici Лодовико да Виаданы [1]. Исаак Пош развил идеи Виаданы в области направленного разделения вокальной и инструментальной партий в рамках одного произведения в 1623 году в сочинении Harmonia concertans id est Cantiones Sacrae [2]. C начала XVII века принцип «состязания» нескольких солирующих «концертирующих» голосов постепенно распространялся и в инструментальной музыке — в сюите и церковной сонате [1].
АСС 9 340. Славный виртуоз г. Гартман,… … Исторический словарь галлицизмов русского языка Концерт — I Концерт нем. До этого времени серьезную музыку… … Энциклопедия Кольера концерт — а, м. Устроить концерт.
Между тем, композитор в «инструментальном концерте» подразумевает не только соперничество. Для воплощения идейного замысла произведения, автор должен не только показать художественные и технические возможности выбранного им инструмента, но и согласованность солирующей партии с оркестровым аккомпанементом, другими словами - создать их идеальный ансамбль. В этом и заключается главный смысл данного жанра.
Что такое инструментальный концерт это?
| Урок музыки: Понятие инструментального концерта, специфика | Смотреть что такое "Инструментальный концерт" в других словарях: Концерт на одних только музыкальных инструментах, без пения. |
| что такое инструментальный концерт | Так ядром инструментального концерта XVII века являлась струнная группа, гделидером была скрипка (представленная двумя музыкантами), альт, виолончель и контрабас. |
| Инструментальный концерт это кратко | Инструментальный концерт – музыкальный жанр, в основе которого лежит контрастное противопоставление партии солиста (или солистов) всему оркестру. |
Статья «Из истории возникновения жанра инструментального концерта» (XVII в.- начало XVIII в.)
Это лишь некоторые из популярных инструментов, которые встречаются в инструментальном концерте. Они играют важную роль в создании эмоциональной и выразительной музыки. Благодаря разнообразию инструментов, инструментальный концерт предлагает слушателям широкий выбор музыкальных переживаний и впечатлений. Влияние инструментального концерта на современную музыку Инструментальный концерт является одним из наиболее значимых жанров классической музыки, который существует уже несколько веков. Его влияние на современную музыку не может быть недооценено. В этом разделе мы рассмотрим несколько основных способов, которыми инструментальный концерт влияет на современную музыку. Техническое мастерство Инструментальный концерт требует высокого технического мастерства от исполнителей.
Музыканты, играющие на инструментальных концертах, должны быть виртуозами, чтобы исполнить сложные партии и проявить все свои навыки и таланты. Это влияет на современную музыку, так как музыканты-исполнители, исполняющие сложные инструментальные партии, часто являются источниками вдохновения для других музыкантов. Они становятся образцом мастерства и техники, которые другие музыканты пытаются повторить и развить. Эксперименты со звуком Инструментальный концерт предлагает богатое звуковое пространство для музыкантов, в котором они могут экспериментировать с различными звуками, тональностями и техниками игры на инструментах. Это влияет на современную музыку, так как музыканты могут использовать эти эксперименты и новые идеи в своей музыке. Многие современные музыканты и композиторы берут вдохновение из инструментального концерта и используют его элементы в своих произведениях.
Они могут, например, использовать различные инструменты и техники игры, чтобы создать новые и уникальные звуковые эффекты. Формат произведения Инструментальный концерт имеет свою уникальную форму произведения, которая может включать в себя множество частей и переходов между ними. Это влияет на современную музыку, так как музыканты могут использовать эту форму для создания новых произведений. Многие современные композиторы используют форму инструментального концерта, чтобы создать свои симфонии, сюиты или другие инструментальные произведения. Они могут варьировать и адаптировать эту форму под свои нужды, добавляя новые элементы и переходы между частями. Источник вдохновения Инструментальный концерт может служить источником вдохновения для многих современных музыкантов.
Они могут находить в нем новые идеи, музыкальные приемы и гармонии, которые могут использовать в своих произведениях. Это может быть особенно актуально для музыкантов, которые работают в жанрах, где инструментальный концерт не является основным жанром. Они могут брать вдохновение из классической музыки и внедрять ее в свою собственную музыку, создавая новые и интересные сочетания стилей и жанров. В заключение, инструментальный концерт имеет значительное влияние на современную музыку. Он вдохновляет музыкантов на развитие своих технических навыков, эксперименты со звуком, использование его формы и элементов, а также берет место источника вдохновения для многих современных музыкантов. Оцените статью.
При этом использовалась вибрация натянутой струны, вибрация звучащего столба воздуха, заключенного в пределах замкнутого объема и извлечение звука путем удара по специально изготовленному устройству. Путем усовершенствования звуковоспроизводящих средств, основанных на этих трех основных принципах, и возникли инструменты, которые можно распределить на группы: струнные, духовые и ударные. С древнейших времен известны основные формы использования музыкальных инструментов: для сопровождения человеческого голоса и для сольной или совместной игры музыкантов. В практике инструментальных ансамблей без участия человеческого голоса прослеживается непрерывность традиции, живая преемственность навыков, передающихся от учителя к ученику. Все это сказывается в согласовании усилий музыкантов, собравшихся для совместной игры. Мы привыкли к сложившимся жанрам инструментальной музыки, и нам кажется, что они существовали всегда. На самом деле такие жанры, как симфония, струнный квартет - результат не столь отдаленного по времени развития европейской музыки. А вот столетием раньше появился жанр инструментального концерта, долгое время задававший тон развитиюинструментальной музыки ведущих европейских стран.
Но ранее XVII века концерта как самостоятельного жанра, рассчитанного на стабильный состав исполнителей, практически не существовало. Жанр концерта возник не на пустом месте, он вобрал в себя традиции совместной игры на музыкальных инструментах, восходящие к народному музицированию, к европейской культуре средних веков. Дело в том, что концерт поставил во главу угла принцип состязания музыкантов, составляющий сущность именно концертной игры. Ранее этот принцип не играл столь существеннойроли в инструментальной музыке. В концертной музыке возникает условная форма соревнования совместноиграющих музыкантов, не только не исключающая, а напротив, предполагающая взаимное согласование их усилии, сочетание ведущего,аккомпанирующего и поддерживающего голосов. Это исторически сформировавшийся жанр, дошедший до нас в практике живой музыкально-исполнительской традиции. Развитие жанров инструментального творчества было бы невозможно без успехов в производстве самих музыкальных инструментов. КомпозиторXVII в. Именно на XVII в.
Именно в рамках ансамбля стали цениться моторные возможности скрипки. Столь совершенный инструмент дал толчок развитию скрипичногоисполнительства, стимулировал появление виртуозов скрипичной игры. Параллельно со скрипкой стали развиваться другие струнные - альт, виолончель, контрабас. Они быстро вытеснили многочисленные разновидности семейства виол с присущим им нежным и тонким, но недостаточно сильным звучанием. Причина успеха новых струнных инструментов заключалась в существенном изменении форм музицирования. Наряду с практикой игры в небольших помещениях, где собирались ценители и знатоки отсюда и пошло выражение камерная музыка , стали развиваться также и иные формы донесения музыки до слушателя, рассчитанные на большие помещения и более широкую и разнообразную по социальному составу публику. Начала развиваться практика публичных концертов, куда пускали любого желающего за определенную плату. Такая практика способствовала утверждению инструментов значительной силы и яркости звучания и обусловила обращение к сравнительно многочисленным объединениям музыкантов, собравшихся для совместной игры. Надо заметить, что оркестра в современном понимании слова тогда еще не было, но уже тогда сложились некоторые формы сочетания инструментов, отражавшие определенные предпочтения.
Так ядром инструментального концерта XVII века являлась струнная группа, гделидером была скрипка представленная двумя музыкантами , альт, виолончель и контрабас. Отсюда было два пути развития состава: сокращения до четырех инструменталистов струнный квартет и расширение за счет добавления музыкантов ко всем партиям квартета струнный оркестр. Но в концертных ансамблях XVII в. Речь идет об обязательном участии так называемой партии continuo, поручавшейся клавесину. Клавесинцементировал общее звучание, приводил его к некому единству, в нем поддерживался, удваивался басовый голос и заполнялся «средний этаж» музыкального пространства. Причем такое заполнение партитуры средними голосами, обычно, строго не ограничивалось, а предоставлялось инициативе исполнителя, он же был в роли руководителя ансамбля. В концертном составе инструментов сочетались стабильные участники и привлекавшиеся от случая к случаю. Помимо этого, в состав концертного ансамбля могли включаться духовые инструменты флейты, гобой, фагот, труба , до формирования самостоятельных групп деревянных и медных духовных инструментов было еще далеко.
Редриковым, Н. Бавыкиным и др. Развитие церковного концерта было продолжено в конце 18 в. Березовским и Д. Бортнянским, в творчестве к-рых преобладает мелодически-ариозный стиль. Balletto concertata P. Мелли, 1616; Sonata concertata Д. Кастелло, 1629. На контрастном сопоставлении "соревновании" оркестра tutti и солистов solo или группы солирующих инструментов и оркестра в concerto grosso основаны возникшие в конце 17 в. Concerti da camera а 3 con il cembalo Дж. Бонончини, 1685; Concerto da camera a 2 violini e Basso continuo Дж. Торелли, 1686. Однако концерты Бонончини и Торелли были лишь переходной формой от сонаты к К. Быстрые части обычно основывались на одной теме реже на 2 темах ; тема эта проходила в оркестре в неизменном виде как рефрен-ритурнель монотемное allegro рондального типа. Вивальди были созданы как concerti grossi, так и сольные К. Партия солирующего инструмента в сольных К. Развитие музыки строилось на противопоставлении tutti и solo, контрасты к-рых подчёркивались динамич. Преобладала фигурационная фактура ровного движения чисто гомофонного или полифонизированного склада. Концертирование солиста, как правило, имело характер орнаментальной виртуозности. Средняя часть писалась в ариозном стиле обычно патетич. Такой тип К. К нему принадлежат и клавирные К. Бахом некоторые из них представляют обработки собственных скрипич. Эти сочинения И. Баха, как и К. Генделя, положили начало развитию фп.
Они предлагают солистам возможность проявить свое мастерство и творческие идеи, а также позволяют насладиться прекрасными звуковыми комбинациями и интересными музыкальными идеями композиторов. Концерт обычно состоит из трех частей: быстрой и виртуозной открытой части, медленной и лирической средней части, а также заключительной части в стремительном или зажигательном темпе. Жанр инструментального концерта имеет богатую историю, начиная с эпохи барокко и до наших дней. В разные периоды истории музыкальные инструменты и оркестры развивались, что влияло на звучание и структуру инструментальных концертов. Одной из особенностей инструментального концерта является возможность демонстрации виртуозного мастерства исполнителями на различных инструментах. Исполнители могут проявить свою технику, экспрессивность и музыкальность в показательных сольных партиях. Кроме того, инструментальные концерты позволяют создать насыщенные и красочные звуковые образы при помощи оркестрового звучания. Инструментальный концерт — это музыкальная форма, которая завораживает слушателей своими эмоциональными и неповторимыми звучаниями. Он существует в разнообразных стилях и направлениях, предлагая слушателям уникальные музыкальные впечатления.
Что такое инструментальный концерт это?
Смотреть что такое "Инструментальный концерт" в других словарях: ИНСТРУМЕНТАЛЬНЫЙ КОНЦЕРТ — концерт на одних только музыкальных инструментах, без пения. Главная» Новости» Концерт что такое в музыке. Структура инструментального концерта Инструментальный концерт — это произведение, включающее в себя несколько частей, количество которых может варьироваться от одной до четырёх.
Концерт - как музыкальный жанр
Развитие инструментального концерта в XIX-XX веке Жанр концерта прошел большой путь становления и развития, подчиняясь стилевым тенденциям того или иного периода времени. Когда на смену барокко пришла эпоха классицизма, инструментальный концерт в своём развитии уверенно шагнул вперёд. В развитии предклассического инструментального концерта большую роль сыграли сочинения сыновей Баха, а также композиторов берлинской, мангеймской и неаполитанской школ. Концерты, как сценические действа появились в конце семнадцатого века, в восемнадцатом, девятнадцатом веках они играли ведущую роль в общественной жизни.
Концерт - как музыкальный жанр
Время неумолимо двигалось вперёд, на смену героям русских народных сказок пришли герои писателей-фантастов, летающие на другие планеты. В 1961 году сказочная мечта становится реальностью: в космос запускается космический корабль с человеком на борту. Им стал наш соотечественник Юрий Гагарин. Это событие не могло оставить равнодушным творцов искусства-писателей, художников и, конечно, композиторов. Так какая же она, музыка космоса? Ещё до полёта человека в космос американский композитор XX века Чарльз Айвз написал оркестровую пьесу «Космический пейзаж». Исполняет её небольшой камерный оркестр, который условно можно поделить на три группы: струнные, «рисующие» образ неизвестной планеты, деревянно-духовые, создающие образ космонавтов-исследователей и труба с настойчивой вопросительной интонацией. Композитор не поставил точку. В заключительном варианте он назвал это сочинение: «Вопрос, оставшийся без ответа».
Русский учёный Михаил Васильевич Ломоносов сказал: «Открылась бездна, звёзд полна; Звеёздам числа нет — бездне дна…» Космос — это бездна. Можно ли изучить бездну? Наверное, нет. Поэтому композитор оставил вопрос без ответа. В наше время — век технического прогресса и развития компьютерных технологий — появляются новые электрические музыкальные инструменты —синтезаторы, акустические возможности которого уникальны. Они расширяют выразительные возможности музыки для создания образов внеземных цивилизаций. Наш современник, композитор Эдуард Николаевич Артемьев, автор музыки к кинофильмам, создаёт в своих произведениях образы Вселенной. Одно из его произведений, написанных для синтезатора — «Мозаика», что в переводе с латинского означает «Посвящённое Музам».
В изобразительном искусстве мозаика — это изображение или орнамент, составленные из простейших цветовых элементов — кусочков разноцветных натуральных камней, стекла, керамики, дерева или других материалов. Загадка гениальности до сих пор не разгадана.
Это событие не могло оставить равнодушным творцов искусства-писателей, художников и, конечно, композиторов.
Так какая же она, музыка космоса? Ещё до полёта человека в космос американский композитор XX века Чарльз Айвз написал оркестровую пьесу «Космический пейзаж». Исполняет её небольшой камерный оркестр, который условно можно поделить на три группы: струнные, «рисующие» образ неизвестной планеты, деревянно-духовые, создающие образ космонавтов-исследователей и труба с настойчивой вопросительной интонацией.
Композитор не поставил точку. В заключительном варианте он назвал это сочинение: «Вопрос, оставшийся без ответа». Русский учёный Михаил Васильевич Ломоносов сказал: «Открылась бездна, звёзд полна; Звеёздам числа нет — бездне дна…» Космос — это бездна.
Можно ли изучить бездну? Наверное, нет. Поэтому композитор оставил вопрос без ответа.
В наше время — век технического прогресса и развития компьютерных технологий — появляются новые электрические музыкальные инструменты —синтезаторы, акустические возможности которого уникальны. Они расширяют выразительные возможности музыки для создания образов внеземных цивилизаций. Наш современник, композитор Эдуард Николаевич Артемьев, автор музыки к кинофильмам, создаёт в своих произведениях образы Вселенной.
Одно из его произведений, написанных для синтезатора — «Мозаика», что в переводе с латинского означает «Посвящённое Музам». В изобразительном искусстве мозаика — это изображение или орнамент, составленные из простейших цветовых элементов — кусочков разноцветных натуральных камней, стекла, керамики, дерева или других материалов. Загадка гениальности до сих пор не разгадана.
Изучая литовский фольклор, древнеиндийскую философию, черпая сюжеты из античной мифологии, он в своих произведениях выражал представление о мироздании, о состоянии человеческой души звуками, красками, словом. Картины его музыкальны, музыка — живописна. Переход от музыки к живописи уловить трудно.
Основные черты инструментального концерта можно увидеть уже в созданных в этот период сочинениях Алессандро Страделлы [4]. Ранние образцы таких концертов Concerto da camera принадлежат Джованни Бонончини и Джузеппе Торелли , однако их камерные сочинения, для небольшого состава исполнителей, были переходной формой от сонаты к концерту; фактически же концерт сложился в первой половине XVIII века в творчестве Арканджело Корелли и особенно Антонио Вивальди — как трёхчастная композиция с двумя крайними частями в быстром движении и медленной средней частью [1]. В то же время существовала и форма так называемого рипиено концерта итал. В концертах первой половины XVIII века, как они представлены в творчестве виднейших представителей барокко , быстрые части обычно основывались на одной, реже на двух темах, которые проходили в оркестре в неизменном виде как рефрен- ритурнель , концертирование солиста чаще всего носило характер орнаментальной виртуозности; в таком стиле писали концерты, в частности, Иоганн Себастьян Бах и Георг Фридрих Гендель. Развитие жанра концерта как сочинения для одного или нескольких «двойной», « тройной », «четверной» концерт солирующих инструментов с оркестром продолжилось в XIX веке в творчестве Никколо Паганини , Роберта Шумана , Феликса Мендельсона , Иоганнеса Брамса , Ференца Листа , Петра Чайковского , Макса Бруха и многих других композиторов. При этом в сочинениях композиторов-романтиков наблюдался отход от классической формы концерта, в частности, был создан одночастный концерт малой формы концертштюк или концертино и крупной формы, по построению соответствовавший симфонической поэме , с характерными для него монотематизмом и принципом «сквозного развития»; таковы, в частности, фортепианные концерты Ференца Листа [1]. На протяжении XVIII—XX веков были созданы концерты практически для всех «классических» европейских инструментов — фортепиано, скрипки , виолончели , альта и даже контрабаса прежде всего концерты Карла Диттерсдорфа и Джованни Боттезини , деревянных и медных духовых [1].
Особые разновидности составляют К. В прошлом были широко представлены вокально-полифонич. Важными предпосылками возникновения К. Самые ранние К. Банкьери, 1595; Мотеты для 1-4-голосного пения с цифр. Виаданы, 1602-11. В таких концертах применялись разл. Наряду с наименованием concerto сочинения того же типа нередко носили наименования motetti, motectae, cantios sacrae и др. Высшую стадию развития церковного вок. Баха, к-рые сам он называл concerti. Жанр К. Теория "творения" таких К. В библиотеке Синодального хора в Москве насчитывалось до 500 К. Титовым, Ф. Редриковым, Н. Бавыкиным и др. Развитие церковного концерта было продолжено в конце 18 в. Березовским и Д. Бортнянским, в творчестве к-рых преобладает мелодически-ариозный стиль. Balletto concertata P. Мелли, 1616; Sonata concertata Д. Кастелло, 1629. На контрастном сопоставлении "соревновании" оркестра tutti и солистов solo или группы солирующих инструментов и оркестра в concerto grosso основаны возникшие в конце 17 в. Concerti da camera а 3 con il cembalo Дж. Бонончини, 1685; Concerto da camera a 2 violini e Basso continuo Дж. Торелли, 1686.